La madre de Whistler de 1871, conocida por el título original de Arrangement en gris y negro, retrato no. 1, es uno de los retratos más famosos del siglo XIX. Y está guardado en uno de los museos que nunca dejo de visitar cada vez que regreso a París, el Musée d’Orsay.

El tema del trabajo

En primer plano, la protagonista de la obra: la madre del artista estadounidense James McNeill Whistler. Muy pensativa, la mujer se sienta en una postura rígida, mientras sus manos aprietan un pañuelo de encaje blanco, tiene el pelo gris recogido y su ropa negra envuelve todo su cuerpo.

La sensación general que se percibe es la de gran austeridad. Esto se debe a la combinación de los colores suaves del fondo y el impacto negro de la ropa. Pero también debido a las líneas verticales y horizontales que definen el piso, la tensión, la silla y los marcos. Sin embargo, a pesar de esta sensación de severidad, también brilla una sensación de empatía y fragilidad de las mujeres. La madre de la artista, Anna McNeill Whistler (1804-1881), en realidad enviudó en 1849. Dejó América en 1863 para escapar de la guerra civil y se mudó a Londres para vivir con su hijo. Tiene una historia que la convierte en una mujer fuerte y al mismo tiempo probada. Y también por esta razón, este trabajo se ha convertido en el símbolo de la mujer austera pero dulce y humana.

El movimiento del arte por el arte

Unos años después de mudarse a Londres, Whistler comenzó a usar términos musicales en los títulos de sus pinturas. Por ejemplo, usa sinfonía, nocturna o, como en este trabajo, arreglo. Esto expresó para él la creencia de que la pintura estaba más interesada en las cualidades formales (líneas, formas, colores) que en el tema. Otros artistas de la época compartieron este punto de vista, por lo que Whistler se convierte en el portavoz más influyente de la doctrina que se hará famosa como «arte por arte». Se convierte en uno de los protagonistas por su magnetismo personal y su forma de hablar.

La serie de retratos Arreglo en gris y negro

Arreglo en gris y negro, n. 1 se exhibió por primera vez en la Royal Academy de Londres en 1872. Inicialmente, el comité de selección lo rechazó. Pero Sir William Boxall, director de la Galería Nacional de Londres y amigo de Whistler, usa su influencia para hacerlo aceptar.

En general, el retrato no es recibido con entusiasmo. Pero también tiene admiradores, especialmente el escritor Thomas Carlyle. Carlyle piensa que este trabajo tiene una enorme originalidad. Y entonces decidió encargar un retrato de Whistler. Se titula como en una serie Arreglo en gris y negro, retrato no. 2 y se ejecuta entre 1872 y 1873. En 1891, fue comprado por la ciudad de Glasgow en Escocia, convirtiéndose en la primera pintura de Whistler que se adquirió de una colección pública. Esto se convierte en un punto de inflexión en la carrera de Whistler. El mismo año, de hecho, el retrato de la madre de Whistler fue comprado por el estado francés, que mientras tanto lo había convertido en caballero de la Legión de Honor en 1889.

La madre de Whistler. Los detalles de la obra

La mujer de perfil es la madre de Whistler

Whistler representó a la madre de perfil. Esta forma de representación fue ampliamente utilizada por los artistas del Renacimiento. Y se había mantenido extendido solo en algunos tipos específicos de representación, como monedas y medallas. Pero rara vez se usó en la pintura de retratos convencionales en el siglo XIX. Este detalle de representar a la madre en el perfil, sin embargo, establece el rigor formal de la imagen. Además, el uso de encaje blanco para combinar con el vestido negro del perfil recuerda el trabajo de Frans Hals, un pintor holandés del siglo XVII, a quien Whistler amaba mucho.

La silla y el reposapiés

Este es el único objeto en la escena que no tiene una geometría fuerte compuesta de líneas y bordes verticales, horizontales. La historia cuenta que el retrato de la madre de Whistler estaba inicialmente de pie. Sin embargo, debido a la antigüedad de la mujer y una enfermedad reciente, la madre no pudo permanecer de pie durante horas. Entonces, para aliviar la fatiga, Whistler la representa sentada y facilita su trabajo de modelaje, que ya requería mucha paciencia.

El artista también inserta un reposapiés en la representación que le da un sentido de familiaridad a la imagen. De hecho, el reposapiés sirve para aliviar la fatiga de la madre, pero metafóricamente también reduce la pesadez del bloque negro creado con la ropa de la mujer. A través de un análisis de rayos X del trabajo, se descubrió que la altura del reposapiés y muchos otros detalles del trabajo eran inicialmente diferentes. De hecho, antes de encontrar una versión definitiva, el artista parece haber intentado varias posiciones para los brazos y las rodillas de la madre.

Manos y pañuelo

Representar las manos en un retrato nunca ha sido un trabajo simple para ningún artista. Por lo tanto, la práctica común siempre ha sido ocupar las manos del sujeto con un objeto. Hacer un guante, un arma o, como en este caso, un pañuelo es un truco utilizado por los pintores para representar solo una parte de la mano y comprometer al protagonista y al espectador. y en este trabajo, además de la cara de la mujer, la mano es la porción más detallada del trabajo.

El trabajo en el trabajo

En la pared de la casa detrás de la mujer Whistler representa una impresión enmarcada. Es uno de sus propios trabajos: Black Lion Wharf de 1859. El grabado fue publicado en 1871 como parte de una serie titulada Sixteen Etchings of Scenes on the Thames. Y él contribuye a su manera a establecer la reputación de Whistler como grabador. De hecho, el artista vivía cerca del Támesis y el río era uno de sus temas favoritos.

La cortina de la izquierda

La cortina a la izquierda de la Madre de Whistler está decorada con un motivo floral, que recuerda el arte japonés que Whistler amaba mucho. Japón había permanecido aislado de otros países del mundo hasta 1853, por lo que a partir del final del aislamiento a mediados del siglo XIX comenzó a tener una fuerte influencia en la cultura y el gusto occidentales. Muchos artistas europeos comienzan a admirar su cultura y tradición artística y algunos de ellos, como Whistler, también se convierten en coleccionistas de arte japonés e incluyen pequeños detalles en sus obras.

El color contrasta en la madre de Whistler

Whistler estaba particularmente atento a los valores tonales de los colores de sus obras. Y aquí logra un equilibrio perfecto de luz y oscuridad. Le gustaba crear efectos de color sutiles y discretos. Además, gracias al color, creó una superficie plana de la imagen, en lugar de una profundidad tridimensional. Este tipo de atención y técnica ha contribuido en gran medida a crear las condiciones a partir de las cuales surgió el arte abstracto. Y es por eso que el arte de Whistler también fue radical.

La técnica de fabricación de La madre de Whistler

Whistler fue un perfeccionista autocrítico y siempre ha trabajado muy lentamente. A menudo dejaba cuadros incompletos o incluso los destruía cuando no cumplían con sus rigurosos estándares.

En otras ocasiones, raspó la pintura o la frotó sobre el lienzo para poder comenzar de nuevo. Sorprendentemente, todo este proceso laborioso no es visible a simple vista en sus obras terminadas. Whistler a menudo aplicaba una pintura muy delgada pero variaba su uso. Y los pasajes ligeramente cepillados a menudo coexisten con toques más ricos y cremosos. En el retrato de su madre, la cara y la mano reciben un tratamiento más detallado que cualquier otra cosa. Mientras que el tocado de encaje y el pañuelo están pintados con pinceladas un poco más secos que el resto de la imagen.

El uso de los términos como sinfonía en las obras

Una de las obras más famosas de Whistler es el retrato de una niña vestida de blanco contra una cortina blanca. Este trabajo ayudó a establecer el nombre Whistler cuando se mostró en el Salon des Refusés en 1863. Representa a su casera en ese momento, Joanna Hiffernan. Whistler originalmente tituló el retrato The White Girl, pero fue gracias a un periodista francés que se introdujo el término sinfonía. De hecho, refiriéndose a este trabajo lo llamó una «sinfonía del blanco». Y Whistler, sin perder la oportunidad, adoptó la idea, agregando las palabras al título y usándolas también para otros trabajos.

James McNeill Whistler. La historia del artista

Whistler llevó una vida cosmopolita real. Nació en Estados Unidos, pero también vive en Rusia cuando era niño y pasa la mayor parte de su carrera en Londres y París. Incluso pasa un período en Italia, en Venecia.

Se convirtió en una de las figuras más conocidas en los círculos artísticos y literarios de Londres, en parte por su talento, pero también por su inteligencia y amor por la controversia. Muchos críticos a menudo han pensado que su trabajo era sugerente pero parecía inacabado. Tanto es así que en 1877 Whistler demandó a uno de ellos, y no a cualquiera, sino al crítico inglés más famoso en la historia del arte: John Ruskin. Whistler gana la demanda, pero los honorarios de los abogados lo llevan a la bancarrota en 1879. Sin embargo, también recupera su reputación.

Al final de su vida, fue muy honrado. Además de sus pinturas, principalmente retratos y paisajes, produjo numerosos grabados que lo convirtieron en uno de los artistas más interesantes del siglo XIX en Europa.

Portada: James Abbott McNeill Whistler, la madre de Whistler (Arreglo en gris y negro, retrato no. 1), 1871, Musée d’Orsay, París.