Whistler’s Mother of 1871, connue sous le titre original d’ Arrangement in Grey and Black, Portrait No. 1, est l’un des portraits les plus célèbres du XIXe siècle. Et il est conservé dans l’un des musées que je ne cesse de visiter à chaque fois que je retourne à Paris, le musée d’Orsay. 

Le sujet de l’œuvre

Au premier plan, le protagoniste de l’œuvre : la mère de l’artiste américain James McNeill Whistler. Très pensive, la femme est assise dans une pose raide, les mains agrippées à un mouchoir de dentelle blanche, ses cheveux gris sont relevés et ses vêtements noirs s’enroulent autour de son corps. 

Le sentiment général qui est perçu est celui d’une grande austérité. Cela est dû à la combinaison des couleurs douces du fond et du noir saisissant des vêtements. Mais aussi à cause des lignes verticales et horizontales qui définissent le sol, la tensa, la chaise et les cadres. Pourtant, malgré ce sentiment de sévérité, il y a aussi un sentiment d’empathie et de fragilité de la femme. La mère de l’artiste, Anna McNeill Whistler (1804–1881), est devenue veuve en 1849. Elle a quitté l’Amérique en 1863 pour échapper à la guerre civile et a déménagé à Londres pour vivre avec son fils. Elle a une histoire qui fait d’elle une femme forte et en même temps éprouvée. Et aussi pour cette raison, cette œuvre est devenue le symbole de la femme austère mais douce et humaine.

Le mouvement Art for Art

Quelques années après avoir déménagé à Londres, Whistler commence à utiliser des termes musicaux dans les titres de ses peintures. Par exemple, il utilise la symphonie, la nocturne ou, comme dans cette œuvre, l’arrangement. Cela exprimait pour lui la conviction que la peinture s’intéressait plus aux qualités formelles – lignes, formes, couleurs – qu’au sujet. D’autres artistes de l’époque partageaient ce point de vue, et Whistler devint ainsi le porte-parole le plus influent de la doctrine qui allait devenir célèbre comme « l’art pour l’art ». Il devient l’un des protagonistes en raison de son magnétisme personnel et de sa façon de parler. 

La série de portraits Arrangement en gris et noir

Arrangement en gris et noir, n. 1 a été exposé pour la première fois à la Royal Academy de Londres en 1872. Le comité de sélection l’a d’abord rejeté. Mais Sir William Boxall, directeur de la National Gallery de Londres et ami de Whistler, use de son influence pour le faire accepter. 

En général, le portrait n’est pas reçu avec enthousiasme. Mais il a aussi des admirateurs, notamment l’écrivain Thomas Carlyle. Carlyle pense que ce travail a une énorme originalité. Il décide donc de charger Whistler de peindre un portrait de lui. Il est intitulé comme dans une série Arrangement en gris et noir, Portrait No. 2 et a été exécuté entre 1872 et 1873. En 1891, il a été acheté par la ville de Glasgow en Écosse, devenant ainsi le premier tableau de Whistler à être acquis d’une collection publique. Cela devient un tournant dans la carrière de Whistler. La même année, en effet, le portrait de la mère de Whistler est acheté par l’État français, qui l’avait entre-temps fait chevalier de la Légion d’honneur en 1889.

La mère de Whistler. Détails de l’œuvre

La femme de profil est la mère de

Whistler Whistler a représenté sa mère de profil. Cette forme de représentation a été largement utilisée par les artistes de la Renaissance. Et il n’était resté répandu que dans certains types de représentation spécifiques tels que les pièces de monnaie et les médailles. Mais il était rarement utilisé dans la peinture de portrait conventionnelle au XIXe siècle. Ce détail de portrait de la mère de profil fonde cependant la rigueur formelle de l’image. De plus, l’utilisation de la dentelle blanche rencontrant la robe noire du profil rappelle le travail de Frans Hals, un peintre hollandais du XVIIe siècle, que Whistler aimait beaucoup.

La chaise et le pouf

C’est le seul objet de la scène qui n’ait pas une géométrie forte faite de lignes verticales, horizontales et d’arêtes. L’histoire raconte que le portrait de la mère de Whistler était à l’origine censé être debout. Cependant, en raison de l’ancienneté de la femme et d’une maladie récente, la mère ne pouvait pas rester debout pendant des heures. Alors pour soulager la fatigue Whistler la représente assise et facilite son travail de modelage, qui demandait déjà beaucoup de patience. 

De plus, l’artiste insère également un repose-pieds dans la représentation qui donne un sentiment de familiarité à l’image. Le repose-pieds sert en fait à soulager la fatigue de la mère, mais métaphoriquement il réduit également la lourdeur du bloc noir créé avec les vêtements de la femme. Grâce à une analyse aux rayons X de l’œuvre, il a été découvert que la hauteur du repose-pieds et de nombreux autres détails de l’œuvre étaient initialement différents. En effet, avant de trouver une version définitive, l’artiste semble avoir essayé diverses positions pour les bras et les genoux de la mère. 

Mains et mouchoir

Représenter des mains dans un portrait n’a jamais été une tâche facile pour aucun artiste. Une pratique courante a donc toujours été d’occuper les mains du sujet avec un objet. Avoir un gant, une arme ou, comme dans ce cas, un mouchoir serré est une astuce utilisée par les peintres pour ne pouvoir représenter qu’une partie de la main et engager le protagoniste et le spectateur. et dans ce travail, outre le visage de la femme, la main est la partie la plus détaillée du travail. 

L’oeuvre dans l’oeuvre

Sur le mur de la maison derrière la femme Whistler représente une estampe encadrée. Il s’agit d’une de ses propres œuvres : Black Lion Wharf de 1859. La gravure a été publiée en 1871 dans le cadre d’une série intitulée Seize eaux-fortes de scènes sur la Tamise. Et cela contribue à sa manière à établir la réputation de Whistler en tant que graveur. L’artiste vivait, en effet, près de la Tamise et le fleuve était l’un de ses sujets de prédilection.

Le rideau de gauche

Le rideau de gauche de Whistler’s Mother est orné d’un motif floral rappelant l’art japonais que Whistler aimait beaucoup. Le Japon était resté isolé des autres pays du monde jusqu’en 1853, donc à partir de la fin de l’isolement au milieu du XIXe siècle, il a commencé à avoir une forte influence sur la culture et le goût occidentaux. De nombreux artistes européens commencent à admirer sa culture et sa tradition artistique et certains d’entre eux, comme Whistler, deviennent également des collectionneurs d’art japonais et incluent de petits détails dans leurs œuvres. 

Contrastes de couleurs dans Whistler’s Mother

Whistler était particulièrement attentif aux valeurs tonales des couleurs de ses œuvres. Et ici, il atteint un équilibre parfait entre la lumière et l’obscurité. Il aimait créer des effets de couleurs subtils et discrets. De plus, grâce à la couleur, il a créé une surface plane de l’image, plutôt qu’une profondeur tridimensionnelle. Ce type d’attention et de technique a grandement contribué à créer les conditions à partir desquelles l’art abstrait a émergé. Et c’est pourquoi l’art de Whistler était aussi radical.

La technique de fabrication de la mère de

Whistler Whistler était une perfectionniste autocritique et travaillait toujours très lentement. Il laissait souvent des peintures incomplètes ou même les détruisait lorsqu’elles ne répondaient pas à ses normes rigoureuses. 

D’autres fois, il grattait la peinture ou la frottait sur la toile pour pouvoir recommencer. Étonnamment, tout ce processus laborieux n’est pas visible à l’œil nu sur ses œuvres finies. Whistler appliquait souvent une peinture très fine mais son utilisation variait considérablement. Et des passages légèrement brossés coexistent souvent avec des touches plus riches et plus crémeuses. Dans le portrait de sa mère, le visage ainsi que la main reçoivent un traitement plus détaillé qu’autre chose. Tandis que la coiffe et le mouchoir en dentelle sont peints avec des coups de pinceau légèrement plus secs que le reste de l’image.

L’utilisation de termes tels que symphonie dans les œuvres

L’une des œuvres les plus célèbres de Whistler est le portrait d’une jeune fille en blanc contre un rideau blanc. Ce travail a contribué à établir le nom de Whistler lors de son exposition au Salon des Refusés en 1863. Il représente sa logeuse de l’époque, Joanna Hiffernan. Whistler a initialement intitulé le portrait The White Girl, mais c’est grâce à un journaliste français que le terme symphonie a été introduit. En fait, se référant à cette œuvre, il la définit comme une « symphonie de blanc ». Et Whistler, sans manquer l’occasion, a adopté l’idée, ajoutant les mots au titre et les utilisant également pour d’autres œuvres.

James McNeil Whistler. L’histoire de l’artiste

Whistler a mené la vie d’un vrai cosmopolite. Il est né en Amérique mais vit également en Russie dans son enfance et passe la majeure partie de sa carrière à Londres et à Paris. Il passe même un séjour en Italie, à Venise. 

Il est devenu l’une des figures les plus connues des milieux littéraires et artistiques londoniens, en partie à cause de son talent, mais aussi à cause de son intelligence et de son amour de la polémique. De nombreux critiques ont souvent pensé que son œuvre était suggestive mais semblait inachevée. A tel point qu’en 1877, Whistler poursuit l’un d’entre eux, et pas n’importe lequel, mais le plus célèbre critique anglais de l’histoire de l’art : John Ruskin. Whistler remporte le procès, mais les frais juridiques le conduisent à la faillite en 1879. Cependant, il recouvre également sa réputation. 

A la fin de sa vie, il fut très honoré. Outre ses peintures, principalement des portraits et des paysages, il réalise de nombreuses gravures qui font de lui l’un des artistes les plus intéressants du XIXe siècle en Europe.

Couverture : James Abbott McNeill Whistler, Whistler’s Mother (Arrangement in Grey and Black, Portrait No. 1), 1871, Musée d’Orsay, Paris.