O contrapposto ou quiasma na arte | Ontem e hoje. Estamos no século 5 aC e os escultores gregos encontraram uma maneira de dar às suas estátuas uma sensação de vida sem precedentes. Contraposto é o nome que mais tarde será dado à pose que fazia parecer que uma figura em pé estava prestes a se mover e ganhar vida.

O termo contrastado em italiano é sinônimo de oposto. E na arte significa equilíbrio ou contrapposto. Por exemplo, contrapposto entre movimento e parado. Mas também o contrapposto entre uma parte do corpo e a outra. De fato, o oposto é conhecido sobretudo na Itália também como quiasma, da letra grega Chi χ que representa o oposto e o equilíbrio por excelência. 

Contraposto na Grécia no século V aC

O desenvolvimento da contraposição clássica no século V aC na Grécia revolucionou a forma como os escultores podiam representar a figura humana. Um exemplo antigo em que seus efeitos podem ser vistos claramente é o Doryphoros, ou “Portador da Lança”, do escultor grego Polykleitos (450-415 aC).

Esta escultura chegou até nós através de cópias romanas em mármore do bronze original que infelizmente se perdeu. O escultor Polykleitos decide nesta escultura não mostrar o jovem atleta como uma figura simétrica olhando para a frente como as estátuas egípcias ou gregas anteriores. Polykleitos transfere o peso do sujeito para a perna direita. Desta forma, o ombro direito fica ligeiramente mais baixo que o esquerdo, enquanto a perna esquerda, dobrada no joelho, com o pé levantado, cria uma torção.

Esse movimento passa pelo corpo, pois gira no eixo vertical da coluna e finalmente dá a sensação de movimento a toda a figura. Assim, a escultura parece estar prestes a mudar a qualquer momento. 

Nenhuma das esculturas originais de Polykleitos e apenas alguns fragmentos de seus escritos sobreviveram. Mas o lado positivo é que o oposto como outras grandes invenções da Grécia antiga influenciou a prática e a teoria de toda a escultura nos séculos seguintes.  

Contraposto ou quiasmo no Renascimento italiano

Até os artistas romanos usaram de fato o contraposto ou quiasmo na arte em suas obras. Algumas eram cópias romanas de esculturas gregas antigas, outras estátuas originais. E graças a esse hábito, o contrapposto atingiu os demais do Renascimento na Itália no século XV. 

Enquanto as estátuas medievais tendiam a ser feitas com poses muito rígidas e frontais, algumas obras renascentistas começam a usar o oposto. Um exemplo é  San Marco di Donatello de 1411, preservado na Igreja de Orsanmichele em Florença. 

Este trabalho é uma verdadeira obra-prima de inovação. Donatello, de fato, combina a representação cristã tradicional do santo e a contraparte grega clássica. e assim cria a combinação perfeita, símbolo do gênio do Renascimento. 

Mas Donatello não é o único artista renascentista a inserir o contraste em suas obras. Um século depois, em 1505, até Michelangelo o usa. Um dos exemplos mais famosos de contrapposto é, de fato, o Túmulo de Júlio II, feito por Michelangelo e preservado na Basílica de San Pietro in Vincoli, em Roma. Nesta obra os corpos das esculturas de Raquel e Lia nas laterais de Moisés parecem se mover graças ao contrário. 

O oposto ou quiasmo no art. Oposto no século XIX O

oposto tornou-se cada vez mais difundido com o passar do tempo e de Michelangelo em diante muitos artistas o usaram. Obviamente, encontra-se principalmente na escultura, mas também algumas obras de pintura têm dentro de si figuras em poses que poderíamos definir como opostas. Apesar desse uso na arte de 360 ​​graus, o contrapposto continua sendo uma “técnica” de representação do movimento principalmente na escultura. 

No século XIX, o oposto era, portanto, agora uma convenção na escultura de figuras humanas. Artistas usaram e reutilizaram em muitas estátuas públicas e em várias nacionais para representar heróis e vencedores de guerras ou músicos e poetas.

Embora tenha nascido e se espalhado da Grécia para desenvolver o sentido de equilíbrio e movimento das esculturas, é justamente no século XIX que o significado do contrário começa a ser reinterpretado. 

E essa releitura vem das obras de um grande escultor que fez a história da arte francesa Auguste Rodin. Rodin, de fato, usou o oposto em várias de suas obras para dar não apenas movimento, mas também e acima de tudo sensualidade às suas obras. Um dos exemplos mais famosos é certamente A Idade do Bronze de 1876. Um contrapposto diferente dos das esculturas gregas. De fato, neste caso, o jovem nu, em vez de mover as pernas, levanta os braços. Esse movimento pode ser considerado um contraponto, mas Rodin, como um gênio, encontra uma forma de representar movimento e sensualidade na escultura.

Também nas obras de outros grandes artistas do século XIX, como nas bailarinas de Degas, estas representam o movimento através de variantes do contrário. Por exemplo, em várias de suas esculturas os dançarinos trazem os braços para trás e as pernas para frente, ainda dando uma sensação de deslocamento. 

O contrapposto no século XX e na arte contemporânea

Mesmo com o desenvolvimento das novas vanguardas e isso com a revolução da obra de arte do século XX, o contrapposto continua sendo amplamente utilizado pelos escultores. 

Alguns artistas, de fato, como Man Ray em seu Torso a escultura clássica para revisitar todo o conceito de trabalho por meio de outras ferramentas como a fotografia. Mesmo sob uma nova chave, no entanto, o oposto está presente. E o mesmo pode ser dito para obras como Vênus Azul de Yves Klein, de 1962. 

Um uso original do contrapposto é feito no século XX por um artista que se tornou famoso por suas performances e instalações em vídeo: Bruce Nauman. Em 1968 Nauman fez alguns vídeos em que caminha em poses não convencionais ou exageradas. Entre essas poses há também o Andar em contrapposto.

Um conceito grego antigo aplicável quase exclusivamente a obras de escultura é retomado. E sua finalidade, que é dar movimento, é exagerada a ponto de torná-lo um movimento real.

Desde a Grécia do século V até aos dias de hoje, a contrapartida ou quiasma na arte é e será sempre uma das formas privilegiadas de representar a vida nas obras de escultura. Mas, com razão, artistas de todas as idades o adotaram e o usaram para criar obras-primas diferentes e sempre únicas. 

Capa: (esquerda) Polykleitos, Doryphoros, Museu Arqueológico Nacional, Nápoles – (direita) Yves Klein, Venus in Blue, 1962