A mãe de Whistler, conhecida pelo título original de Arrangement in Gray and Black, Portrait No. 1, é um dos retratos mais famosos do século XIX. E está guardado em um dos museus que nunca deixo de visitar toda vez que volto a Paris, o Musée d’Orsay. 

O tema da obra

Em primeiro plano a protagonista da obra: a mãe do artista americano James McNeill Whistler. Muito pensativa, a mulher está sentada em uma pose rígida, com as mãos segurando um lenço branco de renda, os cabelos grisalhos puxados para cima e as roupas pretas enroladas no corpo. 

O sentimento geral que se percebe é o de grande austeridade. Isso se deve à combinação das cores suaves do fundo e o preto marcante das roupas. Mas também pelas linhas verticais e horizontais que definem o piso, a tensa, a cadeira e as molduras. No entanto, apesar dessa sensação de gravidade, há também uma sensação de empatia e fragilidade da mulher. A mãe do artista, Anna McNeill Whistler (1804–1881), ficou viúva em 1849. Ela deixou a América em 1863 para escapar da guerra civil e se mudou para Londres para morar com seu filho. Ela tem uma história que a torna uma mulher forte e ao mesmo tempo experimentada. E também por esta razão, esta obra tornou-se o símbolo da mulher austera, mas doce e humana.

O movimento Art for Art

Alguns anos depois de se mudar para Londres, Whistler começa a usar termos musicais nos títulos de suas pinturas. Por exemplo, ele usa sinfonia, noturno ou, como neste trabalho, arranjo. Isso expressava para ele a convicção de que a pintura estava mais interessada em qualidades formais – linhas, formas, cores – do que no assunto. Outros artistas da época compartilhavam desse ponto de vista, e assim Whistler se tornou o porta-voz mais influente da doutrina que se tornaria famosa como “arte pela arte”. Ele se torna um dos protagonistas por causa de seu magnetismo pessoal e sua maneira de falar. 

A série de retratos Arranjo em cinza e preto

Arranjo em cinza e preto, n. 1 foi exibido pela primeira vez na Royal Academy em Londres em 1872. O comitê de seleção inicialmente o rejeitou. Mas Sir William Boxall, diretor da National Gallery em Londres e amigo de Whistler, usa sua influência para que ele seja aceito. 

Em geral, o retrato não é recebido com entusiasmo. Mas ele também tem admiradores, principalmente o escritor Thomas Carlyle. Carlyle acha que este trabalho tem uma enorme originalidade. E então ele decide contratar Whistler para pintar um retrato dele. É intitulado como em uma série Arranjo em Cinza e Preto, Retrato No. 2 e foi executado entre 1872 e 1873. Em 1891, foi adquirido pela cidade de Glasgow na Escócia, tornando-se a primeira pintura de Whistler a ser adquirida de uma coleção pública. Isso se torna um ponto de virada na carreira de Whistler. No mesmo ano, de fato, o retrato da mãe de Whistler foi comprado pelo Estado francês, que entretanto o fez cavaleiro da Legião de Honra em 1889.

A mãe de Whistler. Detalhes do trabalho

A mulher de perfil é a mãe de

Whistler Whistler representou sua mãe de perfil. Essa forma de representação foi amplamente utilizada pelos artistas renascentistas. E permaneceu difundida apenas em alguns tipos específicos de representação, como moedas e medalhas. Mas raramente foi usado na pintura de retrato convencional no século XIX. Esse detalhe de retratar a mãe de perfil, no entanto, estabelece o rigor formal da imagem. Além disso, o uso da renda branca no encontro com o vestido preto do perfil lembra a obra de Frans Hals, pintor holandês do século XVII, que Whistler amava muito.

A cadeira e o escabelo

Este é o único objeto da cena que não possui uma geometria forte composta por linhas verticais, horizontais e bordas. A história diz que o retrato da mãe de Whistler originalmente deveria estar de pé. No entanto, devido à antiguidade da mulher e uma doença recente, a mãe não pôde ficar de pé por horas. Então, para aliviar o cansaço, Whistler representa ela sentada e facilita seu trabalho de modelagem, que já exigia muita paciência. 

Além disso, o artista também insere um apoio para os pés na representação que dá uma sensação de familiaridade à imagem. O apoio para os pés serve de fato para aliviar o cansaço da mãe, mas metaforicamente também reduz o peso do bloco preto criado com a roupa da mulher. Através de uma análise de raios X da obra descobriu-se que a altura do apoio para os pés e muitos outros detalhes da obra eram inicialmente diferentes. De fato, antes de encontrar uma versão definitiva, o artista parece ter tentado várias posições para os braços e joelhos da mãe. 

Mãos e lenço

Representar as mãos em um retrato nunca foi uma tarefa fácil para nenhum artista. Uma prática comum, portanto, sempre foi ocupar as mãos do sujeito com um objeto. Ter uma luva, uma arma ou, como neste caso, um lenço apertado é um truque usado pelos pintores para conseguir representar apenas uma parte da mão e envolver o protagonista e o espectador. e neste trabalho, além do rosto da mulher, a mão é a parte mais detalhada do trabalho. 

O trabalho na obra

Na parede da casa atrás da mulher Whistler representa uma gravura emoldurada. É uma de suas próprias obras: Black Lion Wharf de 1859. A gravura foi publicada em 1871 como parte de uma série intitulada Sixteen Etchings of Scenes on the Thames. E ajuda, à sua maneira, a estabelecer a reputação de Whistler como gravador. O artista morava, aliás, perto do Tamisa e o rio era um dos seus temas preferidos.

A cortina à esquerda

A cortina à esquerda da Mãe de Whistler é decorada com um padrão floral, que lembra a arte japonesa que Whistler amava muito. O Japão permaneceu isolado de outros países do mundo até 1853, então a partir do fim do isolamento em meados do século XIX começou a ter uma forte influência na cultura e no gosto ocidentais. Muitos artistas europeus começam a admirar sua cultura e tradição artística e alguns deles, como Whistler, também se tornam colecionadores de arte japonesa e incluem pequenos detalhes em suas obras. 

Contrastes de cores na mãe de

Whistler Whistler estava particularmente atento aos valores tonais das cores de suas obras. E aqui alcança um equilíbrio perfeito de luz e escuridão. Ele gostava de criar efeitos de cores sutis e discretos. Além disso, graças à cor, criou uma superfície plana da imagem, em vez de uma profundidade tridimensional. Esse tipo de atenção e técnica contribuiu muito para criar as condições das quais a arte abstrata emergiu. E é por isso que a arte de Whistler também era radical.

A técnica de fabricação da mãe de

Whistler Whistler era um perfeccionista autocrítico e sempre trabalhava muito devagar. Ele muitas vezes deixou pinturas incompletas ou até mesmo as destruiu quando não cumpriram seus padrões exigentes. 

Outras vezes, ele raspava a tinta ou esfregava na tela para recomeçar. Surpreendentemente, todo esse laborioso processo não é visível a olho nu em suas obras acabadas. Whistler costumava aplicar uma tinta muito fina, mas seu uso variava muito. E passagens levemente escovadas geralmente coexistem com toques mais ricos e cremosos. No retrato de sua mãe, o rosto junto com a mão recebem um tratamento mais detalhado do que qualquer outra coisa. Enquanto o cocar de renda e o lenço são pintados com pinceladas um pouco mais secas do que o resto da imagem.

O uso de termos como sinfonia em obras

Uma das obras mais famosas de Whistler é o retrato de uma garota de branco contra uma cortina branca. Este trabalho ajudou a estabelecer o nome de Whistler quando exibido no Salon des Refusés em 1863. Retrata sua senhoria da época, Joanna Hiffernan. Whistler originalmente intitulou o retrato The White Girl, mas foi graças a um jornalista francês que o termo sinfonia foi introduzido. Aliás, referindo-se a esta obra, definiu-a como uma “sinfonia do branco”. E Whistler, sem perder a oportunidade, adotou a ideia, acrescentando as palavras ao título e usando-as também para outros trabalhos.

James McNeill Whistler. A história do artista

Whistler levou a vida de um verdadeiro cosmopolita. Ele nasceu na América, mas também vive na Rússia quando menino e passa a maior parte de sua carreira em Londres e Paris. Ele até passa um período na Itália, em Veneza. 

Tornou-se uma das figuras mais conhecidas nos círculos literários e artísticos de Londres, em parte por seu talento, mas também por sua inteligência e amor à controvérsia. Muitos críticos muitas vezes pensaram que seu trabalho era sugestivo, mas parecia inacabado. Tanto que em 1877 Whistler processa um deles, e não qualquer um, mas o crítico inglês mais famoso da história da arte: John Ruskin. Whistler ganha o processo, mas as taxas legais o levaram à falência em 1879. No entanto, ele recupera sua reputação também. 

No final de sua vida, ele foi muito honrado. Além de suas pinturas, principalmente retratos e paisagens, produziu inúmeras gravuras que o tornaram um dos artistas mais interessantes do século XIX na Europa.

Capa: James Abbott McNeill Whistler, Whistler’s Mother (Arranjo em Cinza e Preto, Retrato No. 1), 1871, Musée d’Orsay, Paris.