La chaise de Van Gogh de 1888 est l’une des natures mortes les plus intéressantes de l’histoire de l’art. Et il est aujourd’hui conservé dans l’un des plus riches musées de Londres : la National Gallery. 

Van Gogh est célébré aujourd’hui comme l’un des artistes les plus connus et les plus respectés au monde. Et il a eu et continue d’avoir une forte influence sur l’art contemporain également. Mais cela n’a pas toujours été le cas. Tout au long de sa vie, en effet, il fut l’un des artistes les plus rejetés de l’histoire, même par son ami Gauguin à l’époque arlésienne. Et nous découvrons aujourd’hui le travail symbolique de leurs différences. 

La chaise de Van Gogh Le sujet de l’oeuvre

En première analyse, le sujet de cette oeuvre peut être considéré comme simple : une chaise de campagne dans une maison de la fin du XIXe siècle. Une nature morte atypique par le fait qu’on utilise un objet qui se décompose en un temps beaucoup plus long qu’une corbeille de fruits ou qu’un bouquet de fleurs. Mais en réalité, un symbole important qui raconte une histoire et rend le sujet tout sauf simple. 

Van Gogh et Gauguin à Arles

Lorsque Van Gogh s’installe à Arles, un petit village du sud de la France, en 1888, son plus grand désir est de créer une colonie d’artistes. Et l’arrivée de son ami Paul Gauguin le rend évidemment optimiste et heureux. Il achète plusieurs meubles pour leur maison de campagne et se met à peindre sans arrêt, pour montrer ses bonnes intentions. Cette peinture à l’huile a été créée par Van Gogh quelques semaines seulement avant sa fameuse dépression émotionnelle et à un moment où son amitié avec le désormais arrivé Gauguin se désintègre. 

En effet, le choix de déménager vers le sud dans une zone loin de la frénésie parisienne ne s’avère pas aussi positif qu’il l’imaginait initialement. Il n’aime pas l’ambiance et les gens d’Arles et ne peut ni se concentrer ni bien travailler dans ce pays. Alors il commence aussi à se disputer avec Van Gogh, avec qui il dit s’entendre en tant qu’artiste sur très peu de sujets. 

Et même Van Gogh a dû se rendre compte des différences de style et d’idéologie entre les deux. Il décide alors de peindre leurs deux chaises. Les chaises sur lesquelles ils s’assoient pour créer leurs chefs-d’œuvre. Deux œuvres qui resteront dans l’histoire comme : la chaise de Van Gogh et la chaise de Gauguin. La raison pour laquelle Van Gogh les a peints n’est pas claire : peut-être pour persuader Gauguin de rester à Arles ou peut-être simplement pour souligner ces fortes divergences d’opinion. Il écrit également dans ses lettres de cette période

« À quoi ressemblerait la vie si nous n’avions pas le courage de prendre des risques ?

Vincent Van Gogh

La chaise de Van Gogh Détails de l’oeuvre

La chaise dans la maison de campagne

Au début de leur aventure, devant meubler la maison d’Arles pour l’arrivée de son ami Gauguin, Van Gogh s’affaire et part à la recherche de meubles acheter dans le pays. Parmi les divers objets qu’il décide d’acheter, il y a aussi ces chaises qui rendent l’environnement plus confortable et rustique. Le message que Van Gogh veut faire passer à son hôte est celui de la simplicité et de l’hospitalité à la fois. 

Les objets sur la chaise

Dans cette œuvre le choix des objets sur la chaise de Van Gogh n’est pas du tout aléatoire. En effet, l’artiste a soigneusement choisi quels objets laisser sur ce meuble et comment les représenter. L’objectif est de représenter par des symboles non seulement la personne utilisant la chaise mais aussi sa démarche artistique et philosophique. Sur la chaise de Van Gogh, il y a des objets simples de la vie quotidienne : une pipe et un paquet de tabac. C’est parce qu’il n’a besoin de rien d’autre que de l’environnement qui l’entoure pour créer ses œuvres. 

À l’inverse, dans le cas de l’autre œuvre de Gauguin, La Chaise, les livres et la bougie indiquent la nécessité pour Gauguin de représenter à travers l’imagination et l’intellect. Ce qu’il voit avec l’esprit et non avec les yeux. 

La nature morte dans l’œuvre

En réalité, il y a une nature morte dans l’œuvre de Van Gogh à caractère naturel. En effet, en arrière-plan à gauche l’artiste a représenté un panier d’oignons qui poussent, donc probablement déjà là depuis des jours. En fait, Van Gogh aimait beaucoup peindre des éléments naturels à chaque étape de leur développement. Dans ses célèbres photos de tournesols, il y a parfois même des fleurs presque fanées à côté des fleurs fraîches. C’est pour souligner une fois de plus le passage du temps et sa volonté de représenter l’évolution de ce qui l’entoure dans la nature. 

Le sol de l’œuvre

Avant de s’installer à Arles, lors de son passage à Paris, Van Gogh découvre également les estampes japonaises qui commencent à avoir une très forte influence sur ses œuvres. De l’art japonais il reste passionné par les couleurs, les contours forts et l’immédiateté de l’image. En fait, les artistes japonais ignorent certaines des règles strictes de l’art occidental, comme celles de la perspective. Leur but est d’amener le spectateur au plus près du sujet de l’œuvre. Et Van Gogh fait de même dans cette œuvre. Il n’utilise pas les règles de la perspective pour créer le sol, mais exagère plutôt la perspective à travers les carreaux. Ainsi, cela crée un effet de vertige qui donne l’impression que le sol s’incline complètement vers nous. 

La signature de

Van Gogh Van Gogh ne signe ses œuvres. Mais lorsqu’il décide d’apposer sa signature, il le fait toujours dans les espaces et les moyens les plus discrets possibles. Dans ce cas, par exemple, si l’on ne sait pas qu’il s’agit de la signature de l’artiste, l’écriture pourrait être confondue avec le nom de l’entreprise qui a fabriqué la boîte en arrière-plan. Un détail qui ne passe pas inaperçu mais qui se veut discret. 

Les coups de pinceau décisifs et évidents

D’un point de vue technique, Van Gogh n’est nullement discret. En effet, l’une des caractéristiques de l’art du XIXe siècle de l’Académie est d’avoir une finition lisse. Le spectateur ne doit pas se rendre compte que l’artiste a dû utiliser de la peinture et un pinceau pour créer l’œuvre sur toile. Les coups de pinceau dans la peinture classique du XIXe siècle ne doivent pas être vus. Ce n’est pas le cas avec Van Gogh : dans ses œuvres, il utilise tellement la couleur qu’il la presse même directement du tube sur la toile. Et du fait de cette utilisation excessive de la matière, il est impossible d’appliquer les couleurs et les coups de pinceaux restent très matériels. Mais cela devient l’une des caractéristiques les plus appréciées par nous aujourd’hui et dans beaucoup de ses œuvres, ces coups de pinceau larges et colorés deviennent sa principale caractéristique. 

La chaise de Van Gogh La chaise vide comme portrait

Van Gogh a peut-être emprunté l’idée d’utiliser une chaise vide comme forme de portrait symbolique à une illustration bien connue de l’artiste anglais Luke Fildes, montrant la chaise dans laquelle il est mort Charles Dickens. 

Les objets sur les chaises de Van Gogh, par opposition au travail de Fildes, cependant, ont certainement été conçus spécifiquement pour identifier les chaises elles-mêmes. Et le choix des couleurs et de la composition semble être presque une représentation des deux théories artistiques de Van Gogh et Gauguin. En fait, Gauguin avait toujours encouragé son ami à représenter selon sa propre imagination. La caractéristique des œuvres de Van Gogh, cependant, est de mettre en valeur ce qu’il voit et est déjà dans la nature. Et sa philosophie artistique est basée sur l’exaltation du modèle, de ce qu’il trouve autour de lui.

Deux points de vue éloignés résultant en deux chaises complètement différentes. La chaise de Van Gogh est représentée en couleurs claires en plein jour et remplit ses fonctions de chaise, rien de plus. Gauguin a plutôt une lumière de bougie qui illumine l’obscurité. La représentation même de l’imaginaire qui illumine ses œuvres. 

Couverture : Vincent Van Gogh, La chaise de Van Gogh, 1888, huile sur toile, National Gallery, Londres