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La composition de Kandinsky VII. Kandinsky a la vision la plus importante de sa carrière sur les années précédant la Première Guerre mondiale. Il travaille à Munich, en Allemagne, et développe un nouveau langage pictural, qui l’aide à créer des peintures abstraites originales dans différentes séries. Et la plus célèbre d’entre elles s’intitulera Compositions. Je suis Clélia et nous découvrons aujourd’hui la Composition VII de Wassily Kandinsky de 1913. 

Les Compositions de Kandisnky

Kandinsky considère ces Compositions comme le résultat de sa philosophie artistique. Il n’en fait que 10 dans toute sa vie, et chacun est le résultat d’une planification minutieuse. composition VII, dont nous parlons aujourd’hui, est largement reconnue comme la plus belle et la plus complexe de toutes.

Évidemment, les Compositions sont très controversées depuis le début. Les spectateurs se retrouvent devant de grands tableaux abstraits et sont complètement déconcertés. Pour les premiers spectateurs, les peintures semblent chaotiques, sans sujet, structure ou forme reconnaissable. Et la meilleure partie est que Kandinsky n’est pas entièrement mécontent de cette opinion. A tel point qu’il écrira à cette époque : « Chaque œuvre s’origine de la même manière que le cosmos, à travers des catastrophes qui, du chaos chaotique des instruments, finissent par générer une nouvelle symphonie ».

Kandinsky explique la philosophie de sa nouvelle approche dans un traité intitulé Le spirituel dans l’art de 1911. Il ne croit pas que le public soit prêt pour un art totalement abstrait et il ne veut pas que ses peintures abstraites soient simplement décoratives. Au lieu de cela, elle croit qu’elle peut transmettre ses sentiments les plus purs et les plus spirituels. Dans un premier temps, il s’inspire de sujets religieux comme le Jardin d’Eden, le Déluge mais surtout l’Apocalypse. Il décrit l’artiste comme un prophète et anticipe les destructions et les folies de la Première Guerre mondiale dans les thèmes de ses œuvres, mais change peu à peu de cap. Au lieu de thèmes religieux dans les dernières Compositions, il ne crée que par la forme, la couleur et la ligne, comme par exemple dans la Composition VII.

Composition VII de Kandinsky | Analyse

Kandinsky et la couleur

Dans cette œuvre, la couleur est un élément fondamental. Kandinsky a toujours considéré la couleur comme l’élément le plus crucial de ses peintures et a été influencé par les écrits du philosophe Rudolf Steiner. Steiner soutient que chaque couleur, chaque perception de la lumière représente une tonalité spirituelle. Alors Kandinsky va encore plus loin et invente son propre code couleur, attribuant des valeurs spirituelles à chaque nuance différente. 

Lorsqu’il décrit le ton d’une couleur, il utilise une analogie musicale et le compare au timbre. Avec cela, Kandinsky est capable de varier le sentiment et l’émotion que ses peintures nous transmettent. Son astuce préférée consiste à introduire des transitions de couleurs simples, presque monochromatiques, pour contrebalancer les zones de chaos sur la toile. Dans cette œuvre, par exemple, le coin droit si plein d’une seule couleur semble presque silencieux et contrebalance l’effet de vortex qui domine le centre de la toile. 

La Composition VII de Kandinsky et ses lignes

Il utilise également des lignes pour donner de l’énergie à ses peintures. Par exemple, des lignes parallèles horizontales rendent l’image plus stable, en particulier sur les côtés de l’œuvre. Alors que la ligne diagonale rouge suggère qu’il y a une structure en dessous. Presque comme s’il traçait une partie du contour d’un losange. Ici, il est faible mais plus visible depuis le coin épais et à angle droit au bas de la toile. L’interaction entre la ligne, la couleur et la forme devient encore plus efficace dans Black Lines I, également une œuvre créée en 1913.

Kandinsky s’efforce de cacher tout élément reconnaissable qui est parfois appelé « figuratif » dans ses œuvres abstraites. Mais certains éléments peuvent encore être repérés. Par exemple, un détail de cette œuvre peut être interprété comme une échelle ou une fleur. La plupart des éléments ne peuvent cependant être identifiés qu’en se référant à ses études préparatoires. 

Le thème du bateau

L’un des sujets de prédilection de Kandinsky est le bateau. Et le bateau dans ses œuvres peut être réduit à une simple forme courbe et une rangée de lignes, qui représentent les avirons. Avant de devenir un peintre complètement abstrait il peignit également cette image dans plusieurs versions reconnaissables comme dans Voyage en bateau de 1910. Mais le bateau devient un thème récurrent dans les Compositions car il relève du thème plus large dont il narre parfois : Le thème du Grand Déluge dans la Bible. 

L’Œil du Cyclope

Dans ses études préparatoires, Kandinsky expérimente un grand nombre de composants, tout en cherchant la bonne formule pour son œuvre. La plupart des croquis incluent une variation d’une seule image spécifique.géant œil. Une métaphore du contact entre l’artiste et les spectateurs. Et en effet cet élément attire particulièrement l’attention car il reste stable tandis que d’autres tournent frénétiquement autour de lui. 

Composition VII de Kandinsky | Technique

D’un technique les œuvres varient selon le type d’image qu’elles veulent représenter. Il appelle certaines de ses œuvres Impressions ou Improvisations et celles-ci ne sont ni étudiées ni planifiées. Mais quelque chose change avec les Compositions. Chacune de ces œuvres est élaborée et étudiée et Composition VII est peut-être la plus élaborée de toutes. Pour une toile comme celle-ci Kandinsky fait plus de 30 études préparatoires et une fois terminée il lui faut environ 3 jours pour achever l’oeuvre. Dans une Étude pour la composition VII, par exemple, il insère un élément que l’on ne retrouve pas dans l’œuvre achevée : dans le coin droit, un ange au visage bleu joue de la trompette. Mais dans la version finale nous n’avons qu’une forme de trompette bleue et l’ange a disparu.  

Kandinsky et la musique

Ce que Kandinsky veut vraiment recréer dans l’art à travers ces œuvres, ce sont les caractéristiques de la musique. Son compositeur préféré est Arnold Schoenberg, le pionnier de la musique atonale. Kandinsky admire son approche et n’a aucun problème à combiner même sur toile des passages qui pourraient être considérés comme dissonants. En effet, il les appelle collisions tonitruantes. Un vrai choc entre les taches de tonalité de couleur.

Vassily Kandinsky | Son histoire

Mais pour comprendre comment Kandinsky est arrivé à l’art abstrait, il faut faire la lumière sur lui. En effet, Kandinsky est né à Moscou, fils d’un riche marchand de thé sibérien. Il a d’abord suivi une formation d’avocat puis, à l’âge de 30 ans, il a décidé de devenir peintre. Et cela n’arrive pas par accident. En fait, tout a changé lorsqu’en 1896, il découvre par hasard les Gerbes de Monet et en est très fasciné. Ainsi, il s’installe à Munich pour étudier à l’Académie des Beaux-Arts avec Franz von Stuck. Et dans sa classe cette année-là se trouvait un autre grand peintre abstractionniste Paul Klee. 

Il parcourt d’abord l’Europe, veut en savoir plus, puis tombe amoureux de Gabriele Munter et s’installe en Allemagne. Il commence à fréquenter les cercles artistiques progressistes et son style évolue rapidement car il est influencé par l’art populaire russe, le fauve et l’expressionnisme. il est libre de créer ses œuvres sans trop se soucier de les vendre et peut laisser libre cours à l’expérimentation. Cependant, ses œuvres sont si choquantes qu’elles choquent ses contemporains.

Synesthésie pour Kandisnky

Il parvient à allier sa passion pour la couleur et la musique, en en faisant la base de son style abstrait. Il pense que l’art est basé sur le phénomène perceptif de la synesthésie – par lequel la stimulation d’un sens entraîne la stimulation d’un autre.

Dans la période qui précède le déclenchement de la Première Guerre mondiale, il progresse rapidement vers la peinture abstraite. Deux ans seulement avant la création de Composition VII, les sujets de ses toiles sont encore assez explicites et réalistes. Par exemple, dans Impression III (Concert) de 1911, il représente le concert du Nouvel An passé chez son ami Schoenberg. Et en plus du public, il est possible d’identifier deux grands piliers blancs et l’énorme couvercle noir d’un piano à queue. 

Kandisnky et l’art abstrait

Alors comment en arrive-t-il à l’art abstrait ? Et que veut dire abstrait ? Si l’on réfléchit attentivement parmi toutes les nouvelles formes d’art et mouvements qui émergent dans les années 1900, l’art abstrait est sans aucun doute le plus durable dans le temps. Toute œuvre d’art qui ne représente pas un élément reconnaissable peut être qualifiée d’abstraite. Dans les années précédant le déclenchement de la Première Guerre mondiale, la naissance de l’art abstrait est un phénomène que l’on peut considérer comme international. En fait, il émerge plus ou moins dans les mêmes années dans divers pays. De toutes les manières différentes. Les artistes de l’époque découvrent la possibilité d’utiliser la couleur et les formes mais pas nécessairement de représenter la réalité. 

art abstrait | Définition et évolution dans les années 1900

Il n’est pas facile de donner une définition précise de l’art abstrait. Pour être honnête, les artistes eux-mêmes ont préféré celui de l’art non figuratif à cette expression. Résumé, en fait, signifie littéralement « étiré » et indique une capacité à saisir certains éléments, résumant l’image dans ses caractéristiques essentielles. Mais l’art abstrait du début des années 1900 n’est qu’un moment de transition, d’un long processus. Un processus qui commence avec le romantisme et se poursuit avec l’invention de la photographie et refuse de plus en plus à l’art la tâche de décrire exactement ce qui nous entoure.

Au début du XXe siècle, de nombreux exemples d’art abstrait peuvent être réalisés : certaines œuvres de Sonia Delaunay de 1913 dans lesquelles des figures humaines sont transformées en formes géométriques. Ou certaines œuvres de Duchamp comme Le Nu descendant un escalier de 1912. Carré noir de 1915 ou les œuvres de Mondrian. Tous relèvent de ce principe d’abstraction. Cependant, dans les tentatives d’abstraction maximale, il n’y a aucun intérêt de la part de l’artiste à représenter ou à faire reconnaître aucun des éléments de la nature ou de la réalité. Les œuvres mettent en valeur la forme, la couleur, la ligne. Et parmi les grands artistes abstraits du début des années 1900, Kandinsky y réussit très bien.

Si vous êtes arrivé jusqu’ici, bienvenue au #arteclub pour tous les passionnés d’art qui veulent en savoir plus sur l’œuvre ou l’artiste du jour.

Célèbre aujourd’hui comme l’un des créateurs du mouvement de l’art abstrait, Kandinsky est aussi universellement reconnu comme l’un des plus grands pionniers de l’art moderne. Mais cela n’a pas toujours été le cas. Kandinsky a en effet créé dix œuvres de la série Compositions mais toutes ne nous sont pas parvenues. Nous ne connaissons les trois premiers que grâce à des photographies en noir et blanc. S’il existe des études et des croquis (en particulier de Composition II), un raid nazi sur le Bauhaus dans les années 1930 aboutit à la confiscation des trois premières compositions de Kandinsky. Les œuvres ont été exposées dans l’exposition parrainée par l’État allemand sur «l’art dégénéré», puis détruites, avec des œuvres de Klee, Marc et d’autres artistes modernes. Nous faisant ainsi perdre l’occasion de voir ces grands chefs-d’œuvre aujourd’hui. 

Composition VII de Kandinsky | Où est-il?

Une autre petite curiosité concernant l’œuvre est liée à son emplacement actuel. Il est en effet situé dans l’une des galeries d’art moderne les plus célèbres de Moscou, qui contient de nombreux chefs-d’œuvre de la collection de George Costakis, un collectionneur russe d’origine grecque qui par pur hasard en pleine Seconde Guerre mondiale a trouvé plusieurs œuvres en un studio moscovite de constructivisme russe et les a acquis. Et grâce à sa découverte, aujourd’hui le Carré noir de Malevic et la Composition VII de Kandinsky, les deux œuvres les plus importantes de l’art russe du XXe siècle se retrouvent sous le même toit. 

Et si vous avez aimé ce billet dans lequel on en découvre un peu plus sur l’art abstrait et Kandinsky, je vous propose de jeter un œil à ma chaîne Youtube pour ne pas rater les prochaines vidéos sur les oeuvres d’art les plus intéressantes de l’histoire. Je vous conseille également de lire mes articles sur Un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte à Seurat ou à celle du 20 dernières années.