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20 obras de 2000-2019, ¿cuáles serán? El 2020 está sobre nosotros y ¿qué otra forma de celebrar el final de estos veinte años si no descubrimos juntos cuáles fueron las 20 obras de arte que marcaron la historia entre 2000 y 2019? Estoy feliz de haber visto algunos por mí mismo. Para mí, los últimos años de estos veinte años han sido de lecturas artísticas desenfrenadas, de las primeras ferias internacionales entre Basilea, Madrid y Londres y de exposiciones en toda Europa.

Cada una de estas obras resultó ser importante para el mensaje que el artista quería lanzar, para el momento histórico en el que se realizó o, a veces, para la figura estratosférica por la que se vendió. Nunca podrías hacer un ranking y seguramente me habré dejado igual de interesante, ¡pero comencemos!

Martin Creed, Trabajo no. 227, las luces encendidas de 2000

Parpadea Se ha cometido un delito en Inglaterra. Un niño muere de hambre. La frecuencia de cada una de estas acciones es cada cinco segundos. Y cinco segundos, aparentemente, es la unidad de tiempo en la que nuestras vidas pueden cambiar. Y ningún artista ha explicado la importancia de este intervalo de cinco segundos de una manera más elegante y controvertida que el artista inglés Martin Creed. En su instalación, las luces que se encienden y apagan se crearon en 2000, cuando se exhibió por primera vez mucha controversia sobre el concepto de arte en sí. El trabajo consiste en un temporizador simple programado para encender y apagar alternativamente las luces cada cinco segundos en una galería vacía.

Quienes apreciaron la ópera compararon su importancia conceptual con los experimentos de vanguardia del compositor estadounidense John Cage con el silencio y el sonido de la década de 1950. Aquellos que tenían una actitud polémica lo consideraron un proyecto de bricolaje. Ya sea que consideremos el arte o la filosofía en cualquier caso, es innegable que hoy más que nunca existe la necesidad de reflexionar sobre las propias acciones y nuestro concepto del tiempo, porque cinco segundos pueden pasar rápidamente, pero también pueden alterar nuestras vidas.

Olafur Eliasson, The Weather Project de 2003

El éxito de este increíble trabajo de Eliasson, que atrajo a más de dos millones de visitantes al Tate Modern Turbine Hall entre octubre de 2003 y marzo de 2004, nos dice mucho sobre las inquietudes y preocupaciones de nuestro tiempo.

El trabajo consiste en un enorme sol, suspendido sobrenaturalmente en el espacio en forma de cañón de la habitación. A través de un maquillaje de espejos y niebla azucarada, Eliasson creó una puesta de sol roja ardiente que da la sensación de consumir todo a su alrededor. Y las referencias a obras como William Turner’s Light and Color son evidentes.

Los visitantes se convierten en siluetas contra la luz deslumbrante y es esta sensación de desaparición lo que ha convertido a The Weather Project en una experiencia transformadora e inquietante. Hoy nos asaltan varias opiniones en el debate sobre las consecuencias del cambio climático y el trabajo preocupante de Eliasson nos recuerda que, en estos días, cuando hablamos del clima, también estamos hablando de nuestras vidas. Y Tate regresó para contarnos sobre Eliasson en su última exposición, que les conté hace unas semanas. Y de lo que me alegra volver a hablar ahora en esta publicación sobre las 20 obras de 2000-2019.

Giuseppe Penone, cedro de Versalles de 2003

Presentado por Gagosian en la edición 2019 de Art Unlimited en Basilea, el trabajo me impresionó mucho. El trabajo consiste en un árbol monumental excavado en su núcleo para volver a su etapa inicial. Desde la corteza externa, por lo tanto, el artista desenterró el corazón del árbol hasta la parte más interna.

El título Cedro de Versalles cuenta la historia de la obra. De hecho, se utilizó un cedro de 194 años que se derrumbó debido a una tormenta en el parque de Versalles a fines de la década de 1990. Y la acción de la naturaleza y el hombre juntos son los temas característicos de esta serie de obras de Penone y de toda su poética en general.

Los hombres vivimos dentro de un mundo que debemos conocer y respetar, y cada una de nuestras acciones afecta de alguna manera el desarrollo de la naturaleza, tanto como una fuerza externa.

Cindy Sherman, Payasos de 2003-2004

La fotógrafa y directora estadounidense Cindy Sherman es famosa en todo el mundo por esconderse detrás del flash de su cámara durante años, escenificando una tras otra serie de autorretratos en los que cambia su rostro para adoptar la apariencia de alguien otro. Habiendo adoptado el disfraz como la principal herramienta de identidad durante tanto tiempo, el truco de Sherman definitivamente ha comenzado a hacerse realidad.

Disfrazarse ya no es negarse a sí mismo, sino que se ha convertido en la forma en que lo identificamos, para qué lo conocemos. De ahí el poder desconcertante de su serie de payasos 2003-4. Cindy Sherman asume la identidad de extraños inventados que a su vez se escondieron bajo kilos de maquillaje de payaso.

En la cultura occidental, de hecho, los payasos se consideran seres profundamente ambiguos. Sus expresiones fijas a menudo ocultan no alegría, sino algo más trágico o siniestro. Casi causando miedo con sus expresiones ambiguas, Cindy Sherman reflexiona sobre los temas de identidad y la ilusión de la máscara en el teatro, el cine y el arte.

Anish Kapoor, The Cloud Gate de 2004

Cloud Gate es una colosal escultura pública que el artista británico Anish Kapoor, nacido en India, inauguró en 2006. La obra consta de 168 placas de acero inoxidable y pesa 110 toneladas. Su superficie lisa y reflectante refleja imágenes distorsionadas de todo lo que lo rodea en el Millennium Park de Chicago. Este efecto distorsionado se amplifica visualmente dentro de la escultura que Kapoor llamó los omphalos de la obra del griego “ombligo”. Aquí, las partes cóncavas del trabajo se deforman y multiplican los reflejos para confundir al espectador.

El mensaje de Kapoor es directo: vivimos en un mundo que es tan deslumbrante como distorsionado. La verdad y la percepción manipulada de la verdad se confunden entre sí. En Cloud Gate, el trabajo parece ser un fluido colocado allí por un mago para un juego de prestigio, pero en realidad es tan brillante que las planchas de acero tardan años y años. Esto también es una distorsión de la realidad. Una ilusión, como la de nuestro reflejo en el trabajo.

Jeff Koons, tulipanes de 2004

Esta serie de obras llamadas Celebraciones de uno de los artistas más comentados en el mundo del arte contemporáneo comenzó ya en la década de 1990. Pero ciertamente se ha dado a conocer gracias a los especímenes de las últimas décadas, que han sido los protagonistas de algunos pases de subasta increíbles y se han instalado en los museos más importantes del mundo, como el Guggenheim de Bilbao. Un museo que visité hace un par de años y que les conté no solo en esta publicación sobre las 20 obras de 2000-2019 sino también en Instagram en las historias.

El trabajo de Tulipani 2004 consiste en un ramo gigante de 7 flores de tulipán estilizadas y colores súper brillantes. Cada uno de estos tiene 5 metros de largo y ha sido creado de un metal reflectante. El sentimiento es el de objetos ligeros e ingrávidos, ya frívolos en su presentación al público. Sin embargo, el arco iris de colores los hace agradables y, sobre todo, mejora sus características reales. De hecho, los tulipanes son flores con las que competimos para tener mil colores diferentes, son flores que han entrado en nuestros hogares al menos una vez para celebrar cumpleaños, aniversarios u otras fiestas. De ahí el título de la serie Celebraciones. Por lo tanto, Koons ‘es magnificar y poner nuestros ojos debajo de otro vestido frente a los objetos que caracterizan nuestra vida cotidiana, en un estilo pop completo.

Damien Hirst, por el amor de Dios de 2007

¿Puede el arte vencer a la muerte? Cuando el cráneo con tachuelas de diamantes de 1.106 quilates de Damien Hirst se exhibió por primera vez en Londres en 2007, un grupo de críticos respondió con un agradable Sí. Pero la pregunta sigue abierta, incluso si el trabajo de Damien Hirst quiere demostrar lo contrario.

Es un molde de platino, obtenido del cráneo recuperado de un europeo del siglo XVIII de treinta y cinco años y comprado en una tienda en Londres. Sobre esta base, los joyeros Bentley & Skinner de Mayfair montaron 8.601 pavé de diamantes. Como si esto no fuera suficiente, montado en la frente hay un gran diamante, una especie de tercer ojo, que quiere impulsar el significado potencial del trabajo en la dirección de lo sobrenatural.

Si el trabajo de Hirst puede sobrevivir a la muerte o no, no podemos saberlo, pero ciertamente, como en muchas otras ocasiones, la reflexión sobre la muerte se convierte en la protagonista de sus obras. Y la ironía de los títulos nos lleva a reflexionar sobre temas que no solo han definido los últimos veinte años, sino en realidad toda la historia del arte desde el principio hasta hoy. Razón de más para no poder excluirlo de la lista de 20 obras de 2000-2019.

Yayoi Kusama, Obsesión de los puntos de 2008

El interior de la instalación de iluminación suave, las paredes de los espejos y los puntos negros son los elementos característicos de las obras del artista japonés Kusama. Obras que reflejan su dimensión interior y sus visiones. Estas obras no pueden incluirse en ningún movimiento específico, han hecho historia del arte pop y el minimalismo al mismo tiempo y tienen pistas de la cultura y tradición japonesa y estadounidense juntas.

La idea es que al ingresar a la instalación, los espectadores se sorprendan inmediatamente con un entorno que casi se convierte en un capullo que se ve reforzado por la luz amarilla y las formas flotantes. Los efectos pueden ser desconcertantes o relajantes porque los sentidos son bombardeados. El piso y el techo están cubiertos con puntos negros, mientras que las paredes espejadas multiplican el espacio, que se vuelve infinito. Estos elementos obligan a los espectadores a experimentar sentimientos encontrados: hay quienes se sienten encarcelados, otros son libres de imaginar. Sin embargo, Kusama sigue consciente de las respuestas de los espectadores y el trabajo pretende ser terapéutico y abrumador. Una reflexión sobre nuestra psique y una representación de nuestros sueños. Una reflexión que no podía dejar de hacer que Kusama y sus obras estuvieran entre las 20 obras de 2000-2019.

Franz West, El ego y el ego de 2008

Esta serie de obras de Franz West en la que se nos anima a interactuar con la obra en parques o en las calles de las ciudades se ha convertido en la firma del artista austriaco. Sentados en taburetes o haciéndonos jugar con elementos de la obra, Franz West insiste en que la obra de arte no está completa hasta que los espectadores interactúen con ella. Su objetivo siempre ha sido crear arte que inspire entornos ingeniosos, en los que formemos parte del trabajo.

En el caso del ego y yo, la idea nació de un artículo escrito por Sigmund Freud en 1923 sobre la batalla del ego con tres fuerzas: el ego, el superyó y el mundo exterior. Y West, a partir de las reflexiones de Freud, creó este trabajo para hacer una pregunta directa: ¿para qué sirve la escultura para el hombre? La respuesta está en la interacción contigo mismo cuando vives el trabajo y en compartir con los demás. En este caso, en el centro de Central Park, Nueva York, lejos de un museo y en una zona de juegos al aire libre.

Pipilotti Rist, Massachussets Chandelier de 2010

Calzoncillos de colores cuelgan del techo, todos brillantes en una galería oscura. Como si hubieran sido colgados después del lavado para secarse al sol. Una luz cálida emana del interior del trabajo, mientras que una luz de video externa se proyecta sobre el trabajo.

Cuando vi esta araña suspendida en exhibición por primera vez en Milán, me quedé sin palabras. Y para esto decidí incluirlo en esta publicación sobre las 20 obras de 2000-2019. El trabajo consiste en calzoncillos recogidos por el artista, sus amigos y familiares y mostrados de forma natural. Intencionalmente exuberante y divertido, el trabajo fue creado para alentar a los espectadores a considerar cuestiones relacionadas con el género, la sexualidad y el cuerpo humano.

El artista suizo Pipilotti Rist creó la instalación para transmitir una sensación de felicidad y serenidad. E incluso si el trabajo es deliberadamente simple y directo, no es infantil. De hecho, bajo la aparente ligereza del trabajo, Pipilotti Rist aborda cuestiones feministas y tabú relacionadas con la parte más importante y secreta de nuestro cuerpo.

Marina Abramovic, The Artist is Present de 2010

Durante dos meses y medio, desde mediados de marzo hasta finales de mayo de 2010, Marina Abramović se sentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, mientras que los participantes de la presentación fueron invitados a turnarse para mirarla durante el tiempo que quisieran o pudieran. soportar. Durante más de 700 horas, el artista ha mirado a cientos de extraños al encontrar su mirada sentada en una mesa. Los retratos de los visitantes muestran la variedad de expresiones provocadas por la cara rígida de Abramović: diversión, miedo, aburrimiento o incluso desesperación.

Una ventana en el alma que tiene como objetivo unir a las personas. De hecho, no había forma de escapar de la realidad y enfrentar los ojos de otro ser humano, vulnerable y a pocos centímetros de distancia.

Y este trabajo ha reafirmado una vez más el estado de Abramović entre los artistas de performance más importantes de nuestro tiempo. Durante cuarenta años, de hecho, Marina Abramović nos ha desafiado a mirar a los ojos de la realidad que nos rodea y los problemas de nuestra sociedad. Por este motivo, no podía faltar en esta publicación sobre las 20 obras de 2000-2019.

Ai Wei Wei, Semillas de girasol de 2010

¿Dónde comienza la identidad del individuo y la del grupo? Ai Weiwei nos hace esta pregunta en forma de cien millones de semillas de girasol de porcelana hechas individualmente por 1.600 artesanos chinos. Cada uno de estos tallados a mano y pintados convincentemente, con rayas grises y blancas. El trabajo que se exhibió en la Tate de Londres proviene de una crítica directa a las violaciones de los derechos humanos del gobierno chino y ha provocado un debate político inolvidable.

No es la primera vez, entre otras cosas, que el artista critica y provoca al gobierno de su país de origen. Pero esta vez lo desafía de una manera aún más sutil y elegante. De hecho, esta montaña de pequeñas semillas ha atraído a miles de personas que participaron individualmente en el intercambio grupal de la obra de arte.

Christian Boltanksy, Personas de 2010

¿Qué nos sobrevive una vez que llega la muerte? El intento de responder a esta pregunta indudablemente motiva muchas obras de arte. Varios de los que he incluido en esta lista de 20 obras de 2000-2019. Pero en particular, motivó este trabajo de Boltansky, exhibido por primera vez en el Grand Palais de París en 2010. Pasamos nuestras vidas acumulando y usando objetos, ropa, fotografías y mucho más, y este trabajo nos lo cuenta. El trabajo consiste en metros cuadrados de lotes salpicados de ropa como campos de telas.

Hay jeans, camisas, camisetas, vestidos, todo. ¿Y a quién pertenecían? La respuesta parece estar en el título de la obra. A todos y a nadie, a las personas que, además de dejar sus recuerdos, también dejan todo lo que les pertenecía. Y el trabajo no termina ahí. Varias veces, de hecho, una gran máquina suspendida sobre una montaña de ropa cae repentinamente para levantar y relanzar nuestros objetos, como un juego sin fin.

Maurizio Cattelan, L.O.V.E. de 2010

La estatua de mármol de una mano de once metros de altura que parece levantar un dedo medio causó revuelo cuando se inauguró en 2010 en la Piazza Affari de Milán, justo en frente del Palazzo della Borsa. El mundo de las finanzas se sintió ofendido por lo que se percibió como un gesto de desafío. Razón de más para agregarlo a mi lista de 20 obras de 2000-2019.

Pero una mirada más cercana al trabajo y algunas declaraciones del propio Càttelan revelaron un significado diferente para este trabajo. De hecho, parece ser un saludo fascista cortado y erosionado por el tiempo, justo en el centro de la plaza y frente a uno de los edificios de la década de 1920 que hizo la historia de la arquitectura fascista.

Una mano cuya interpretación se deja a nuestra imaginación, pero que distorsiona el concepto de escultura clásica, transformando la estatua del emperador a caballo en un nuevo símbolo de nuestra sociedad.

Christian Marclay, The Clock de 2010

La obra cinematográfica del suizo-estadounidense Christian Marclay intenta ingeniosamente cerrar la división entre el tiempo del arte y el tiempo de la realidad. De hecho, a menudo las obras de arte que se encuentran dentro de los museos parecen ser ajenas al paso del tiempo. algunos de estos nos cuentan sobre experiencias que pueden considerarse universales y continúan entusiasmando o reflexionando a pesar de haberse hecho décadas antes.

El trabajo de Marclay busca metafóricamente ir más allá de esta división. El trabajo incluye miles de videos en los que hay un reloj, cuidadosamente ensamblados para que el video mantenga el ritmo perfecto en tiempo real.

A menudo hablamos de arte que imita la vida y viceversa, pero la imitación presupone que uno u otro debe haber sucedido primero. Mientras que el gran arte suspende el tiempo. The Clock es un collage del cine occidental, pero en realidad nos hace reflexionar sobre el tiempo que nos rodea y sobre la importancia del arte para nuestra sociedad.

Kerry James Marshall, Lovers de 2015

Si hay un artista que, junto con Kara Walker, ha contado las experiencias e historias de las poblaciones afroamericanas en los últimos veinte años, este es Kerry James Marshall. Él mismo ha definido muchas de sus obras como los frutos de la responsabilidad social. Y este tipo de tema no puede faltar en la lista de 20 obras de 2000-2019.

Y su medio favorito para contar estas historias es la pintura. Está inspirado en escenas de la vida cotidiana y objetos típicos de su cultura, como en el trabajo presentado en la Bienal de Venecia 2015 titulado “Amantes”. Aquí, dos tipos que parecen haber sido atrapados abrazándose se dan la vuelta y sonríen al espectador.

Una historia aparentemente simple pero de denuncia. El tema principal de obras como esta es, de hecho, la presencia de afroamericanos dentro de las obras de arte figurativas. En la historia, a menudo fueron los primeros en ser excluidos de las actuaciones y, gracias a artistas como Marshall, que nos cuentan sobre su vida cotidiana, los encontramos protagonistas del arte contemporáneo.

Christo, The floating piers de 2016

Poder definir la propia edad y al mismo tiempo permanecer reconocible en cada obra no es fácil para ningún artista. Sin embargo, no parece ser tan complejo para Christo, quien ha hecho la firma de pequeños objetos o monumentos enteros desde la década de 1960. Para cada década, sería posible encontrar una de sus obras importantes: The Gates en 2005 en Nueva York o Mastaba en 2018 en Londres, pero su paso por Italia en el lago Iseo fue, en mi opinión, igualmente significativo.

El trabajo consiste en un laberinto de pasarelas de tela, una especie de puentes flotantes que durante exactamente 15 días han unido el continente a las islas de San Paolo y Monte Isola. En este caso, el visitante se convierte en parte del trabajo y la transformación de la naturaleza y el territorio ya no consiste solo en esconderse para dar importancia.

Banksy, Love is in the bin de 2018

No siempre es fácil definir las obras que están cambiando nuestros tiempos si estamos experimentando estos tiempos de primera mano, pero en algunos de estos no hay muchas dudas. Y en particular entre las 20 obras de 2000-2019, esto tiene un lugar especial.

El amor de Banksy está en la papelera ha dado lugar a uno de los debates de arte más interesantes de los últimos años. Y no me refiero a la veracidad del trabajo en sí, sino a la importancia de la acción y la crítica sobre la cual esta acción misma nos hace reflexionar.

El trabajo nació bajo los ojos de cientos de personas durante la subasta de la Baloon Girl original de Sothebys en octubre de 2018. Unos segundos después del premio, parte del lienzo atravesó una trituradora oculta en el marco y en el proceso. de “destrucción” de una obra de arte, se ha creado una nueva. Todas las obras de Banksy son el resultado de acciones críticas de la sociedad y del mercado del arte contemporáneo, pero sobre todo son reflexiones sobre nuestras acciones diarias y nuestros hábitos. Y justo este año, otra sorpresa llegó con el producto Bruto Interno, un escaparate temporal que tuve la oportunidad de visitar y del que te hablé en el canal.

Amy Sherald, First Lady Michelle Obama de 2018

Entre las obras que han hecho la historia de los veinte años, no puede faltar la pintura y en una de sus formas más clásicas el retrato. En este caso, sin embargo, el trabajo de la artista estadounidense Amy Sherald demuestra cómo se puede representar un icono contemporáneo en un estilo clásico completo. Y el retrato gana así su posición en esta lista de 20 obras de 2000-2019.

La protagonista del trabajo es Michelle Obama, no solo esposa del ex presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama, sino también defensora de los derechos de las mujeres, la comunidad LGBT y defensora de una vida saludable y sostenible. El retrato es clásico y contemporáneo al mismo tiempo por varias razones. La única protagonista es Michelle en el centro del lienzo, inmersa en azul, un símbolo de color de lealtad y confianza. Al mismo tiempo, color del manto de la Virgen en las representaciones clásicas.

El vestido captura inmediatamente el ojo que termina más allá del trabajo como si continuara y que al mismo tiempo ocupa la mayor parte de la escena. Este elemento también retoma los retratos clásicos de la antigüedad, pero transforma el trabajo en un ícono de nuestro período.

Kara Walker, Fons Americanus de 2019

Una escultura pública a gran escala en el Turbine Hall of the Tate en Londres, que cuestiona cómo recordamos la historia a través de los monumentos públicos. Pero que al mismo tiempo cuenta un evento histórico que duró décadas y que cambió la vida de miles de personas en todo el mundo: la diáspora africana.

Fons Americanus es una inmensa fuente interior inspirada en el Monumento a la Reina Victoria frente al Palacio de Buckingham. En este caso, sin embargo, no es una reina la que es exaltada o recordada, sino una población entera y sus tragedias. El agua es el tema clave y se refiere a la trata transatlántica de esclavos y al destino de muchas personas en tres continentes.

Y muchos otros son referencias a la historia, el arte y la cultura occidentales. Por ejemplo, el nacimiento de Venus del caparazón que se convierte en un niño que llora y llena el caparazón con lágrimas, mientras que la Diosa está muy lejos en la parte superior de la fuente. Un trabajo que nos hace reflexionar sobre nuestra historia y sobre la importancia de nuestras elecciones políticas y civiles.

Hay obras creadas por artistas de todo el mundo porque creo firmemente que el arte hoy más que nunca es global cuando habla de una experiencia que es personal pero al mismo tiempo colectiva.

¡Gracias y nos vemos pronto!