Composición de Kandinsky VII. Kandinsky tiene la visión más importante de su carrera en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Trabaja en Munich, Alemania y desarrolla un nuevo lenguaje pictórico, que le ayuda a crear pinturas abstractas originales en diferentes series. Y la más famosa de ellas se titulará Composiciones. Soy Clelia y hoy descubrimos la Composición VII de Wassily Kandinsky de 1913.
Las Composiciones de Kandisnky
Kandinsky considera estas Composiciones como el resultado de su filosofía artística. Solo hace 10 en toda su vida, y cada uno es el resultado de una cuidadosa planificación. composición VII, de la que hablamos hoy, es ampliamente reconocida como la más bella y compleja de todas.
Obviamente, las Composiciones son muy controvertidas desde el principio. Los espectadores se encuentran frente a grandes pinturas abstractas y quedan completamente desconcertados. Para los primeros espectadores, las pinturas parecen caóticas, sin tema, estructura o forma reconocibles. Y lo mejor es que Kandinsky no está del todo descontento con esta opinión. Tanto es así que escribió en ese período: «Cada obra se origina de la misma manera que el cosmos, a través de catástrofes que, del caos caótico de los instrumentos, acaba generando una nueva sinfonía».
Kandinsky explica la filosofía detrás de su nuevo enfoque en un tratado titulado Lo espiritual en el arte de 1911. No cree que el público esté listo para el arte totalmente abstracto y no quiere que sus pinturas abstractas sean meramente decorativas. En cambio, cree que puede transmitir sus sentimientos más puros y espirituales. Inicialmente, se inspira en temas religiosos como el Jardín del Edén, el Diluvio pero sobre todo el Apocalipsis. Describe al artista como un profeta y anticipa la destrucción y las locuras de la Primera Guerra Mundial en los temas de sus obras, pero cambia gradualmente de rumbo. En lugar de temas religiosos en las últimas Composiciones, crea solo a través de la forma, el color y la línea, como por ejemplo en la Composición VII.
Composición VII de Kandinsky | Análisis
Kandinsky y el color
En esta obra, el color es un elemento fundamental. Kandinsky siempre consideró que el color era el elemento más crucial de sus pinturas y estuvo influenciado por los escritos del filósofo Rudolf Steiner. Steiner argumenta que cada color, cada percepción de la luz representa un tono espiritual. Entonces Kandinsky va un paso más allá e inventa su propio código de color, atribuyendo valores espirituales a cada tono diferente.
Al describir el tono de un color, utiliza una analogía musical y lo compara con el timbre. Con esto Kandinsky es capaz de variar el sentimiento y la emoción que nos transmiten sus cuadros. Su truco favorito es introducir transiciones de color simples, casi monocromáticas, para contrarrestar las áreas de caos en el lienzo. En esta obra, por ejemplo, la esquina derecha tan llena de un solo color parece casi silenciosa y contrarresta el efecto de vórtice que domina el centro del lienzo.
La Composición VII de Kandinsky y sus líneas
También utiliza líneas para dar energía a sus pinturas. Por ejemplo, las líneas paralelas horizontales hacen que la imagen sea más estable, especialmente en los lados de la obra. Mientras que la línea diagonal roja sugiere que hay una estructura debajo. Casi como si estuviera trazando parte del contorno de un rombo. Aquí es débil pero más perceptible desde la esquina gruesa en ángulo recto al pie del lienzo. El juego entre línea, color y forma se vuelve aún más efectivo en Black Lines I, también una obra creada en 1913.
Kandinsky hace todo lo posible para ocultar cualquier elemento que pueda ser reconocible que a veces se llama «figurativo» en sus obras abstractas. Pero todavía se pueden detectar algunos elementos. Por ejemplo, un detalle de esta obra puede interpretarse como una escalera o una flor. Sin embargo, la mayoría de los elementos solo pueden identificarse refiriéndose a sus estudios preparatorios.
El tema de los barcos
Uno de los temas favoritos de Kandinsky son los barcos. Y el bote en sus obras se puede reducir a una simple forma curva y una fila de líneas, que representan los remos. Antes de convertirse en un pintor completamente abstracto, también pintó esta imagen en varias versiones reconocibles, como en Voyage by boat de 1910. Pero el barco se convierte en un tema recurrente en las Composiciones porque es relevante para el tema más amplio del que a veces narra: El tema del Gran Diluvio en la Biblia.
El ojo del cíclope
En sus estudios preparatorios, Kandinsky experimenta con un gran número de componentes, mientras busca la fórmula adecuada para su obra. La mayoría de los bocetos incluyen alguna variación de una sola imagen específica. Los críticos la han comparado con el ojo gigante de un cíclope. Una metáfora del contacto entre el artista y los espectadores. Y, de hecho, este elemento llama especialmente la atención porque permanece estable mientras otros giran frenéticamente a su alrededor.
Composición VII de Kandinsky | Técnica
Desde técnico las obras varían según el tipo de imagen que se quiera representar. A algunas de sus obras las llama Impresiones o Improvisaciones y éstas no están ni estudiadas ni planificadas. Pero algo cambia con las Composiciones. Cada una de estas obras es elaborada y estudiada y Composición VII es quizás la más elaborada de todas. Para un lienzo como este, Kandinsky realiza más de 30 estudios preparatorios y, una vez terminados, tarda unos 3 días en completar la obra. En un Estudio para la composición VII, por ejemplo, inserta un elemento que no encontramos en la obra terminada: en la esquina derecha, un ángel de cara azul toca una trompeta. Pero en la versión final solo tenemos una forma de trompeta azul y el ángel ha desaparecido.
Kandinsky y la música
Lo que Kandinsky realmente quiere recrear en el arte a través de estas obras son las características de la música. Su compositor favorito es Arnold Schoenberg, el pionero de la música atonal. Kandinsky admira su enfoque y no tiene problemas para combinar, incluso en el lienzo, pasajes que podrían considerarse disonantes. De hecho, él los llama colisiones atronadoras. Un auténtico choque entre manchas de tono de color.
Wassily Kandinsky | Su historia
Pero para entender cómo llegó Kandinsky al arte abstracto, necesitamos arrojar algo de luz sobre él. De hecho, Kandinsky nació en Moscú, hijo de un rico comerciante de té siberiano. Primero se formó como abogado y luego, a los 30 años, decidió convertirse en pintor. Y no sucede por accidente. De hecho, todo cambió cuando en 1896 descubrió por casualidad las Gavillas de Monet y quedó muy fascinado por ellas. Así se trasladó a Munich para estudiar en la Academia de Bellas Artes con Franz von Stuck. Y en su clase de ese año estaba otro gran pintor abstraccionista Paul Klee.
Primero viaja por Europa, quiere saber más y luego se enamora de Gabriele Munter y se instala en Alemania. Comenzó a frecuentar los círculos de arte progresista y su estilo cambió rápidamente al estar influenciado por el arte popular ruso, el Fauve y el expresionismo. es libre de crear sus obras sin tener que preocuparse demasiado por venderlas y puede dar rienda suelta a la experimentación. Sin embargo, sus obras son tan impactantes que conmocionan a sus contemporáneos.
Sinestesia para Kandisnky
Consigue combinar su pasión por el color y la música, convirtiéndolos en la base de su estilo abstracto. Él cree que el arte se basa en el fenómeno perceptivo de la sinestesia , mediante el cual la estimulación de un sentido conduce a la estimulación de otro.
En el período anterior al estallido de la Primera Guerra Mundial, hizo un rápido progreso hacia la pintura abstracta. Apenas dos años antes de la creación de la Composición VII, los temas de sus pinturas siguen siendo bastante explícitos y realistas. Por ejemplo, en Impresión III (Concierto) de 1911 representa el concierto de Año Nuevo en casa de su amigo Schoenberg. Y además del público, es posible identificar dos grandes pilares blancos y la enorme tapa negra de un piano de cola.
Kandisnky y el arte abstracto
Entonces, ¿cómo llega al arte abstracto? ¿Y qué significa abstracto? Si reflexionamos detenidamente entre todas las nuevas formas y movimientos artísticos que surgen en el siglo XX, el arte abstracto es sin duda el más perdurable en el tiempo. Cualquier obra de arte que no represente un elemento reconocible puede describirse como abstracta. En los años que precedieron al estallido de la Primera Guerra Mundial, el nacimiento del arte abstracto es un fenómeno que puede considerarse internacional. De hecho, surge más o menos en los mismos años en varios países. En todas las formas diferentes. Los artistas de la época descubren la posibilidad de utilizar el color y las formas pero no necesariamente para representar la realidad.
arte abstracto | Definición y evolución en la década de 1900
No es fácil dar una definición precisa del arte abstracto. Para ser honesto, los propios artistas han preferido el del arte no figurativo a esta expresión. Resumen, de hecho, significa literalmente «dibujado» e indica una capacidad de captar algunos elementos, resumiendo la imagen en sus características esenciales. Pero el arte abstracto de principios del siglo XX es solo un momento de transición, de un largo proceso. Un proceso que comienza con el romanticismo y continúa con la invención de la fotografía y cada vez más le niega al arte la tarea de describir exactamente lo que nos rodea.
A principios del siglo XX se pueden realizar muchos ejemplos de arte abstracto: algunas obras de Sonia Delaunay de 1913 en las que las figuras humanas se transforman en formas geométricas. O algunas obras de Duchamp como El desnudo bajando una escalera de 1912. Cuadrado negro de 1915 o las obras de Mondrian. Todos caen dentro de este principio de abstracción. Sin embargo, en los intentos de máxima abstracción no hay interés por parte del artista de representar o hacer reconocer ninguno de los elementos de la naturaleza o de la realidad. Las obras realzan la forma, el color, la línea. Y entre los grandes artistas abstractos de principios del siglo XX, Kandinsky lo logró muy bien.
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Famoso hoy en día como uno de los creadores del movimiento de arte abstracto, Kandinsky también es reconocido universalmente como uno de los más grandes pioneros del arte moderno. Pero ese no fue siempre el caso. De hecho, Kandinsky ha creado diez obras en la serie Composiciones, pero no todas nos han llegado. Los tres primeros los conocemos solo gracias a fotografías en blanco y negro. Si bien existen estudios y bocetos (particularmente de la Composición II), una incursión nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras Composiciones de Kandinsky. Las obras se exhibieron en la exposición patrocinada por el estado alemán sobre «Arte degenerado» y luego se destruyeron, junto con obras de Klee, Marc y otros artistas modernos. Haciéndonos perder así la oportunidad de ver estas grandes obras maestras en la actualidad.
Composición VII de Kandinsky | ¿Dónde está?
Otra pequeña curiosidad sobre la obra está ligada a su ubicación actual. De hecho, se encuentra en una de las galerías de arte moderno más famosas de Moscú, que contiene muchas obras maestras de la colección de George Costakis, un coleccionista ruso de origen griego que por pura casualidad en plena Segunda Guerra Mundial encontró varias obras en un estudio de Moscú del constructivismo ruso y los adquirió. Y gracias a este descubrimiento suyo, hoy el Cuadrado Negro de Malevic y la Composición VII de Kandinsky, las dos obras más importantes del arte ruso del siglo XX se encuentran juntas bajo un mismo techo.
Y si te ha gustado este post en el que descubrimos algo más sobre el arte abstracto y Kandinsky, te sugiero que le eches un vistazo a mi canal Youtube para no perderte los próximos vídeos sobre las obras de arte más interesantes de la historia. También te aconsejo que leas mis publicaciones sobre Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte de Seurat o en la de la últimos 20 años.
