20 œuvres de 2000 à 2019, quelles seront-elles ? 2020 est à nos portes et quelle autre façon de célébrer la fin de cette période de vingt ans sinon en découvrant ensemble quelles furent les 20 œuvres d’art qui ont marqué l’histoire entre 2000 et 2019 ? Je suis heureux d’en avoir vu quelques-uns de mes propres yeux. Les dernières années de ces vingt années ont été pour moi celles de lectures d’art débridées, des premières foires internationales de Bâle, Madrid et Londres et d’expositions à travers l’Europe.

Chacune de ces œuvres s’est avérée importante pour le message que l’artiste voulait lancer, pour le moment historique dans lequel elle a été créée ou parfois pour la somme stratosphérique pour laquelle elle a été vendue. Vous ne pourriez jamais faire de classement et j’en aurai sûrement laissé de côté d’autres tout aussi intéressants, mais commençons !

Martin Creed, Travail no. 227, Les lumières allumées en 2000 Vous

clignez des yeux. Un crime est commis en Angleterre. Un enfant meurt de faim. La fréquence de chacune de ces actions est toutes les cinq secondes. Et cinq secondes, apparemment, est l’unité de temps dans laquelle nos vies peuvent être changées. Et aucun artiste n’a expliqué la signification de l’importance de cet intervalle de cinq secondes d’une manière plus élégante et controversée que l’artiste anglais Martin Creed. Dans son installation, les lumières qui s’allument et s’éteignent ont été créées en 2000, lorsque de nombreuses controverses sur le concept d’art lui-même ont été exposées pour la première fois. L’œuvre consiste en une simple minuterie programmée pour allumer et éteindre alternativement les lumières toutes les cinq secondes dans une galerie vide.

Ceux qui ont apprécié l’œuvre ont comparé son importance conceptuelle aux expérimentations avant-gardistes du compositeur américain John Cage avec le silence et le son des années 1950. Ceux qui avaient une attitude controversée considéraient qu’il s’agissait d’un projet de bricolage. Que l’on considère l’art ou la philosophie, en tout cas, il est indéniable qu’aujourd’hui plus que jamais nous avons besoin de réfléchir à nos actions et à notre conception du temps, car cinq secondes peuvent passer vite, mais elles peuvent aussi bouleverser nos vies. 

Olafur Eliasson, The Weather Project 2003

Le succès de cette œuvre incroyable d’Eliasson, qui a attiré plus de deux millions de visiteurs au Turbine Hall de la Tate Modern entre octobre 2003 et mars 2004, nous en dit long sur les angoisses et les soucis de notre époque. 

L’œuvre consiste en un immense soleil suspendu de manière surnaturelle dans l’espace en forme de canyon de la salle. À travers un maquillage de miroirs et de brume sucrée, Eliasson a créé un coucher de soleil rouge ardent qui donne la sensation de tout consumer autour de lui. Et les références à des œuvres telles que Light and Colour de William Turner sont évidentes. 

Les visiteurs deviennent des silhouettes contre la lumière éblouissante et c’est ce sentiment de disparition qui a fait de The Weather Project une expérience transformatrice et obsédante. Aujourd’hui, nous sommes à juste titre harcelés par les opinions diverses dans le débat sur les conséquences du changement climatique, et l’ouvrage troublant d’Eliasson nous rappelle que, de nos jours, quand on parle de la météo, on parle aussi de nos vies. Et Tate est de retour pour parler d’ Eliasson dans sa dernière exposition, dont je vous ai parlé il y a quelques semaines. Et dont je suis heureux de parler maintenant dans ce post sur les 20 œuvres de 2000-2019.

Giuseppe Penone, 2003 Cedar of Versailles

Présenté par Gagosian à l’édition 2019 d’ Art Unlimited à Bâle, l’œuvre m’a beaucoup impressionné. L’œuvre consiste en un arbre monumental évidé jusqu’à la moelle pour être ramené à son état initial. De l’écorce externe, l’artiste a donc creusé jusqu’à l’intérieur du cœur de l’arbre.

Le titre le Cèdre de Versailles raconte l’histoire de l’œuvre. Pour le fabriquer, en effet, un vieux cèdre de 194 ans a été utilisé qui s’est effondré suite à une tempête dans le parc de Versailles à la fin des années 90. Et l’action de la nature et de l’homme ensemble sont les thèmes caractéristiques de cette série d’œuvres de Penone et de toute sa poétique en général.

Nous, les humains, vivons dans un monde que nous devons connaître et respecter et chacune de nos actions affecte d’une manière ou d’une autre le développement de la nature, autant qu’une force extérieure. 

Cindy Sherman, 2003-2004 Clowns

La photographe et réalisatrice américaine Cindy Sherman est mondialement connue pour s’être cachée derrière le flash de son appareil photo pendant des années, mettant en scène des séries d’autoportraits dans lesquels elle change de visage pour prendre l’apparence de quelqu’un d’autre. Ayant adopté le déguisement comme principal outil d’identité pendant si longtemps, la tromperie de Sherman a certainement commencé à se réaliser.

Le déguisement n’est plus un déni de lui-même, mais c’est devenu la façon dont nous l’identifions, ce pour quoi nous le connaissons. D’où la puissance angoissante de sa série 2003-4 Clowns. Cindy Sherman assume l’identité d’inconnus maquillés qui se sont cachés sous des kilos de maquillage de clown.

Dans la culture occidentale, en effet, les clowns sont considérés comme des êtres profondément ambigus. Leurs expressions fixes ne cachent souvent pas la gaieté, mais quelque chose de plus tragique ou sinistre. Provoquant presque la peur avec ses expressions ambiguës, Cindy Sherman réfléchit sur les thèmes de l’identité et de l’illusion du masque au théâtre, au cinéma et dans l’art.

Anish Kapoor, The Cloud Gate 2004

Cloud Gate est une sculpture publique colossale que l’artiste britannique Anish Kapoor, né en Inde, a dévoilée en 2006. L’œuvre se compose de 168 plaques d’acier inoxydable et pèse 110 tonnes. Sa surface lisse et réfléchissante renvoie des images déformées de tout ce qui l’entoure dans le Millennium Park de Chicago. Cet effet déformé est visuellement amplifié dans la sculpture que Kapoor appelait l’omphalos de l’œuvre du grec « nombril ». Ici, les parties concaves de l’œuvre se déforment et multiplient les reflets pour désorienter le spectateur.

Le message de Kapoor est direct : nous vivons dans un monde aussi éblouissant que déformé. La vérité et la perception manipulée de la vérité se mêlent. Dans Cloud Gate, l’œuvre semble être un fluide placé là par un magicien pour un tour de passe-passe, mais en réalité, les plaques d’acier mettent des années et des années à être aussi brillantes. C’est aussi une déformation de la réalité. Une illusion, comme celle de notre reflet dans l’œuvre. 

Jeff Koons, 2004 Tulips

Cette série d’œuvres intitulée Celebrations par l’un des artistes les plus connus dans le monde de l’art contemporain a commencé dès les années 1990. Mais il est certainement devenu connu grâce aux spécimens des dernières décennies, qui ont été les protagonistes de passages aux enchères incroyables et ont été installés dans les musées les plus importants du monde, comme le Guggenheim de Bilbao. Un musée que j’ai visité il y a quelques années et dont je vous ai parlé non seulement dans ce post sur les 20 œuvres de 2000-2019 mais aussi sur Instagram dans les stories.

L’œuvre Tulipes de 2004 consiste en un bouquet géant de 7 fleurs de tulipes stylisées aux couleurs super vives. Chacun d’eux mesure 5 mètres de large et a été créé en métal réfléchissant. La sensation que vous obtenez est celle d’objets légers et en apesanteur, frivoles déjà dans leur présentation au public. L’arc-en-ciel de couleurs, cependant, les rend agréables et surtout met en valeur leurs véritables caractéristiques. En fait, les tulipes sont des fleurs que nous rivalisons pour avoir mille couleurs différentes, ce sont des fleurs qui sont entrées au moins une fois dans nos maisons pour fêter des anniversaires, anniversaires ou autres fêtes. D’où le titre de la série Célébrations. So Koons’s est de magnifier et de mettre sous nos yeux sous une autre forme les objets qui caractérisent notre quotidien, en plein style pop. 

Damien Hirst, 2007 Pour l’amour de Dieu, l’

art peut-il vaincre la mort ? Lorsque le crâne incrusté de diamants de 1 106 carats de Damien Hirst a été exposé pour la première fois à Londres en 2007, un groupe de critiques a répondu par un beau Oui, mais la question reste ouverte, même si l’œuvre de Damien Hirst veut prouver le contraire. 

Il s’agit d’un moulage en platine, sculpté à partir du crâne récupéré d’un Européen du XVIIIe siècle de 35 ans et acheté dans un magasin à Londres. Sur cette base 8 601 diamants pavés ont été sertis par les joailliers Bentley & Skinner de Mayfair. Comme si cela ne suffisait pas, monté sur le front se trouve un gros diamant, sorte de troisième œil, qui veut pousser le sens potentiel de l’œuvre vers le surnaturel.

Nous ne pouvons pas savoir si l’œuvre de Hirst peut survivre à la mort ou non, mais certainement, comme à de nombreuses autres occasions, la réflexion sur la mort elle-même devient le protagoniste de ses œuvres. Et l’ironie des titres nous amène à réfléchir sur des thèmes qui ont défini non seulement les vingt dernières années mais en réalité toute l’histoire de l’art de ses débuts à aujourd’hui. Raison de plus pour ne pas pouvoir l’exclure de la liste des 20 oeuvres de 2000-2019.

Yayoi Kusama, Dots obsession de 2008

L’intérieur de l’installation à l’éclairage tamisé, les murs en miroir et les points noirs sont les éléments caractéristiques des œuvres de l’artiste japonais Kusama. Des œuvres qui reflètent sa dimension intérieure et ses visions. Ces œuvres ne peuvent être insérées dans aucun mouvement spécifique, elles ont fait l’histoire du pop art et du minimalisme en même temps et ont des idées de culture et de tradition japonaises et américaines ensemble. 

L’idée est qu’en entrant dans l’installation, le spectateur est immédiatement saisi par un environnement qui devient presque un cocon, sublimé par la lumière jaune et les formes flottantes. Les effets peuvent être énervants ou relaxants car les sens sont bombardés. Le sol et le plafond sont couverts de points noirs, tandis que les murs en miroir multiplient l’espace, qui devient infini. Ces éléments obligent le spectateur à éprouver des sentiments contradictoires : il y a ceux qui se sentent emprisonnés, d’autres libres d’imaginer. Cependant, Kusama reste conscient des réactions des téléspectateurs et le travail se veut à la fois thérapeutique et écrasant. Une réflexion sur notre psychisme et une représentation de nos rêves. Une réflexion qui n’aurait pas pu permettre à Kusama et ses oeuvres d’entrer de plein droit parmi les 20 oeuvres de 2000-2019.

Franz West, L’ego et l’ego de 2008

Cette série d’œuvres de Franz West dans laquelle on est incité à interagir avec l’œuvre dans les parcs ou dans les rues des villes est devenue la signature de l’artiste autrichien. S’asseoir sur des tabourets ou nous laisser jouer avec les éléments de l’œuvre Franz West insiste sur le fait que l’œuvre n’est pas complète tant que les spectateurs n’interagissent pas avec elle. Son objectif a toujours été de créer un art qui inspire des environnements brillants, dans lesquels nous faisons partie de l’œuvre.

Dans le cas de l’ego et moi, l’idée est née d’un article écrit par Sigmund Freud en 1923 sur la bataille de l’ego avec trois forces : l’ego, le surmoi et le monde extérieur. Et West partant des réflexions de Freud a créé cette œuvre pour poser une question directe : qu’est-ce que la sculpture pour l’homme ? La réponse est dans l’interaction avec soi-même en vivant le travail et en partageant avec les autres. Dans ce cas au centre de Central Park, New York, loin d’un musée et dans un espace de jeux en plein air.

Pipilotti Rist, Massachussets Chandelier 2010

Des culottes colorées pendent du plafond, toutes lumineuses dans une galerie sombre. Comme s’ils étaient suspendus après lavage pour sécher au soleil. Une lumière chaude émane de l’intérieur de l’œuvre, tandis qu’une lumière vidéo externe est projetée sur l’œuvre.

La première fois que j’ai vu ce lustre suspendu exposé à Milan, j’étais sans voix. Et pour cela j’ai décidé de l’insérer dans ce post sur les 20 oeuvres de 2000-2019. L’œuvre est composée de culottes collectées par l’artiste, ses amis et sa famille et exposées naturellement. Intentionnellement exubérante et divertissante, l’œuvre a été créée pour encourager les téléspectateurs à considérer les questions liées au genre, à la sexualité et au corps humain.

L’artiste suisse Pipilotti Rist a créé l’installation pour transmettre un sentiment de bonheur et de sérénité. Et même si le travail est volontairement simple et direct, il n’est pas enfantin. En effet, sous l’apparente légèreté de l’œuvre, Pipilotti Rist aborde des questions féministes et des tabous liés à la partie la plus importante et la plus secrète de notre corps. 

Marina Abramovic, The Artist is Present de 2010

Pendant deux mois et demi, de mi-mars à fin mai 2010, Marina Abramović s’est assise au Museum of Modern Art de New York, tandis que les participants de la performance étaient tour à tour invités de la regarder dans les yeux aussi longtemps qu’ils le souhaitaient ou le pouvaient. Pendant plus de 700 heures, l’artiste a regardé des centaines d’étrangers croiser leur regard assis ensemble à une table. Les portraits des visiteurs racontent la palette d’expressions provoquées par le visage rigide de l’Abramović : amusement, peur, ennui ou encore désespoir. 

Une fenêtre sur l’âme qui vise à rapprocher les gens. En fait, il n’y avait aucun moyen d’échapper à la réalité et de faire face aux yeux d’un autre être humain, vulnérable et à seulement quelques centimètres. 

Et ce travail a une fois de plus réaffirmé le statut d’Abramović parmi les artistes de performance les plus importants de notre temps. En effet, depuis quarante ans, Marina Abramović nous met au défi de regarder dans les yeux la réalité qui nous entoure et les problèmes de notre société. C’est pourquoi il ne pouvait pas manquer ce post sur les 20 œuvres de 2000-2019.

Ai Wei Wei, 2010 Graines de Tournesol

Où s’arrête l’identité de l’individu et où commence celle du groupe ?  Ai Weiwei nous pose cette question sous la forme de cent millions de graines de tournesol en porcelaine fabriquées individuellement par 1 600 artisans chinois. Chacun d’entre eux sculpté à la main et peint de manière convaincante, strié de gris et de blanc. L’œuvre exposée à la Tate de Londres découle d’une critique directe des violations des droits de l’homme par le gouvernement chinois et a provoqué un débat politique inoubliable.

Entre autres choses, ce n’est pas la première fois que l’artiste critique et provoque le gouvernement de son pays d’origine. Mais cette fois, il le défie de manière encore plus subtile et élégante. Cette montagne de petites graines a en effet attiré des milliers de personnes qui ont participé individuellement chacune à leur manière au partage collectif de l’œuvre d’art. 

Christian Boltansky, People of 2010

Que reste-t-il de nous une fois la mort venue ? Tenter de répondre à cette question motive sans aucun doute de nombreuses œuvres d’art. Plusieurs de ceux que j’ai inclus dans cette liste des 20 œuvres de 2000-2019. Mais c’est surtout elle qui a motivé cette œuvre de Boltansky, exposée pour la première fois au Grand Palais à Paris en 2010. Nous passons notre vie à accumuler et à utiliser des objets, des vêtements, des photographies et bien plus encore et cette œuvre nous en parle. L’œuvre se compose de mètres carrés de lots parsemés de vêtements comme des champs de textiles.

Il y a des jeans, des chemises, des t-shirts, des robes, tout. Et à qui appartenaient-ils ? La réponse semble être dans le titre de l’ouvrage. A tous et à personne, aux personnes qui, en plus de laisser leur mémoire, laissent aussi avec elles tout ce qui leur appartenait. Et le travail ne s’arrête pas là. Plusieurs fois, en effet, une énorme machine suspendue au-dessus d’une montagne de vêtements s’abaisse brusquement pour soulever et relancer nos objets, comme un jeu sans fin. 

Maurizio Càttelan, LOVE 2010

La statue en marbre d’une main de onze mètres de haut qui semble lever le majeur a fait sensation lors de son inauguration en 2010 sur la Piazza Affari à Milan, juste en face du Palazzo della Borsa. Le monde de la finance s’est senti offensé par ce qui a été perçu comme un geste de défi. Raison de plus pour l’ajouter à ma liste de 20 oeuvres de 2000-2019.

Mais un examen plus approfondi de l’œuvre et certaines déclarations de Càttelan lui-même ont révélé un sens différent pour cette œuvre. En fait, il semble s’agir d’un salut fasciste coupé et érodé par le temps, situé en plein centre de la place et devant l’un des bâtiments des années 1920 qui ont fait l’histoire de l’architecture fasciste.

Une main dont l’interprétation est laissée à notre imagination, mais qui déforme le concept de la sculpture classique, transformant la statue de l’empereur à cheval en un nouveau symbole de notre société.

Christian Marclay, The Clock of 2010

L’œuvre cinématographique de l’artiste américano-suisse Christian Marclay tente ingénieusement de combler le fossé entre le temps de l’art et le temps de la réalité. En effet, les œuvres d’art que l’on trouve dans les musées semblent souvent étrangères au passage du temps. certaines d’entre elles nous parlent d’expériences qui peuvent être considérées comme universelles et continuent de nous faire bouger ou réfléchir bien qu’elles aient été faites des décennies plus tôt.

Le travail de Marclay tente métaphoriquement de transcender cette division. L’œuvre comprend des milliers de séquences mettant en vedette une horloge, soigneusement assemblées afin que les séquences suivent parfaitement le rythme du temps réel.

On parle souvent d’art imitant la vie et vice versa, mais l’imitation suppose que l’un ou l’autre doit avoir eu lieu en premier. Tandis que le grand art suspend le temps. The Clock est un collage du cinéma occidental mais en réalité il nous fait réfléchir sur le temps qui nous entoure et sur l’importance même de l’art pour notre société. 

Kerry James Marshall, 2015 Lovers

S’il y a un artiste qui, avec Kara Walker, a raconté les expériences et les histoires des populations afro-américaines au cours des vingt dernières années, c’est bien Kerry James Marshall. Il a lui-même défini nombre de ses œuvres comme les fruits d’une responsabilité sociale. Et ce genre de thèmes ne peut pas manquer dans la liste des 20 œuvres de 2000-2019.

Et son médium de prédilection pour raconter ces histoires est la peinture. Il s’inspire de scènes de la vie quotidienne et d’objets typiques de sa culture, comme dans l’œuvre présentée à la Biennale de Venise 2015 intitulée « Amanti ». Ici, deux gars qui semblent avoir été surpris en train de se serrer dans leurs bras se tournent vers le spectateur en souriant.

Une histoire apparemment simple mais dénonciatrice. Le thème principal d’œuvres comme celle-ci est en fait la présence d’Afro-Américains au sein des œuvres d’art figuratives. Dans l’histoire ils ont souvent été les premiers exclus des représentations et grâce à des artistes comme Marshall, qui racontent aujourd’hui leur quotidien, on les retrouve protagonistes de l’art contemporain.

Christo, Les quais flottants de 2016

Être capable de définir sa propre époque et en même temps rester reconnaissable dans chaque œuvre n’est pas facile pour un artiste. Pourtant, cela ne semble pas si complexe pour Christo qui a fait du packaging de petits objets ou de monuments entiers sa signature depuis les années 1960. Pour chaque décennie il serait possible de retrouver une de ses œuvres significatives : The Gates en 2005 à New York ou le Mastaba en 2018 à Londres, mais son passage en Italie sur le lac d’Iseo était à mon sens tout aussi significatif.

L’œuvre consiste en un labyrinthe de passerelles en tissu, une sorte de ponts flottants qui, pendant exactement 15 jours, ont relié le continent aux îles de San Paolo et Monte Isola. Dans ce cas, le visiteur devient une partie de l’œuvre et la transformation de la nature et du territoire ne consiste plus seulement à se cacher pour donner de l’importance.

Banksy, Love is in the bin of 2018

Il n’est pas toujours facile de définir les œuvres qui changent notre époque si nous vivons ces temps de première main, mais il n’y a pas beaucoup de doutes sur certaines d’entre elles. Et notamment parmi les 20 œuvres de 2000-2019, celle-ci a une place à part.

Love is in the bin de Banksy a donné lieu à l’un des débats les plus intéressants de l’art ces dernières années. Et je ne parle pas de la véracité de l’œuvre en soi mais de l’importance de l’action et de la critique sur laquelle cette action elle-même nous fait réfléchir. 

L’oeuvre est née sous les yeux de centaines de personnes lors de la vente aux enchères de l’oeuvre originale Baloon Girl chez Sothebys en octobre 2018. Quelques secondes après l’attribution, une partie de la toile est passée dans une déchiqueteuse dissimulée dans le cadre et au passage de « destruction » d’une œuvre d’art, une nouvelle a été créée. Toutes les œuvres de Banksy sont le fruit d’actions critiques de la société et du marché de l’art contemporain mais elles sont avant tout des réflexions sur nos actions quotidiennes et nos habitudes. Et cette année encore une autre surprise est venue avec le Produit Intérieur Brut, une boutique vitrine éphémère que j’ai eu l’occasion de visiter et dont je vous ai parlé sur la chaîne. 

Amy Sherald, Première Dame Michelle Obama de 2018

Parmi les œuvres qui ont marqué l’histoire des vingt dernières années, la peinture et sous l’une de ses formes les plus classiques le portrait ne peut manquer. Dans ce cas, cependant, le travail de l’artiste américaine Amy Sherald démontre comment une icône contemporaine peut être représentée dans un style classique complet. Et le portrait gagne ainsi sa place dans cette liste de 20 œuvres de 2000-2019.

La protagoniste de l’œuvre est Michelle Obama, non seulement épouse de l’ancien président des États-Unis d’Amérique Barack Obama, mais également championne des droits des femmes, de la communauté LGBT et partisane d’une vie saine et durable. Le portrait est à la fois classique et contemporain pour plusieurs raisons. La seule protagoniste est Michelle au centre de la toile, immergée dans le bleu, une couleur qui symbolise la fidélité et la confiance. En même temps la couleur du manteau de la Madone dans les représentations classiques.

Le regard est immédiatement capté par la robe qui se termine au-delà de l’œuvre comme si elle continuait et qui occupe en même temps une grande partie de la scène. Cet élément reprend également les portraits classiques de l’Antiquité, mais transforme l’œuvre en une icône de notre époque. 

Kara Walker, Fons Americanus de 2019

Une sculpture publique à grande échelle dans le Tate Turbine Hall de Londres, qui interroge la façon dont nous nous souvenons de l’histoire à travers les monuments publics. Mais en même temps, il raconte un événement historique qui a duré des décennies et qui a changé la vie de milliers de personnes à travers le monde : la diaspora africaine.

Fons Americanus est une immense fontaine intérieure inspirée du monument de la reine Victoria en face du palais de Buckingham. Dans ce cas, cependant, ce n’est pas une reine qui est exaltée ou rappelée, mais une population entière et ses tragédies. L’eau est la question clé et renvoie à la traite transatlantique des esclaves et au sort de nombreuses personnes sur trois continents.  

Et il existe de nombreuses autres références à l’histoire, à l’art et à la culture occidentales. Par exemple, la Naissance de Vénus de la coquille qui se transforme en un garçon qui pleure et remplit la coquille de larmes, tandis que la Déesse est plutôt loin au sommet de la fontaine. Une œuvre qui nous fait réfléchir sur notre histoire et sur l’importance de nos choix politiques et civils. 

Il y a des œuvres créées par des artistes du monde entier car je crois fermement que l’art aujourd’hui plus que jamais est global lorsqu’il raconte une expérience personnelle mais en même temps collective. 

Merci et à la prochaine !