Les éléments d’une œuvre d’art. Lesquels sont-ils ?!? Combien de fois nous arrive-t-il de traverser les salles d’un musée et d’être captivé par une œuvre particulière. Une œuvre qui nous attire comme un aimant, qui nous captive par la forme, la couleur ou le matériau avec lequel elle a été réalisée. Chaque œuvre d’art est unique, mais comme c’est le cas avec la musique et les notes, les œuvres visuelles ont aussi des éléments récurrents qui les composent. Et aujourd’hui on découvre les 7 éléments d’une oeuvre d’art.
Les éléments d’une œuvre d’art. Combien? 7
Chaque artiste trouve sa manière personnelle de s’exprimer, de raconter son histoire et de nous impliquer dans ses œuvres. Certains artistes peignent des tableaux, d’autres les découpent, certains les transforment en objets tridimensionnels. Certains artistes préfèrent alors donner une forme parfaite à la matière, ou utiliser les objets qui les entourent. Enfin, certains créent des œuvres de grande taille, tandis que d’autres décident d’en créer de minuscules.
Cependant, s’il est plus courant de connaître la règle des tiers en photographie ou de supposer que toute la musique que nous aimons provient essentiellement de 7 notes, on ne sait pas aussi bien quels sont les éléments d’une œuvre d’art et comment les identifier. . Apprendre à les connaître ne changera pas notre goût ni l’intention initiale de l’artiste mais cela pourrait nous faire découvrir un peu plus son histoire et pourquoi nous avons été captivés par ses oeuvres.
1. Couleur
Le premier élément le plus immédiat à comprendre est la couleur. La couleur est en fait produite lorsque la lumière rebondit sur un objet et atteint ensuite notre œil, elle n’existe pas dans la nature. Tous les objets qui nous entourent ont une certaine couleur dans notre cerveau et nous leur associons nous-mêmes naturellement une humeur. De nombreuses théories se sont développées au fil des siècles, dont par exemple celles de Goethe au 19e siècle ou de Kandinsky au 20e siècle.
Mais selon la théorie principale des couleurs, le jaune, le rouge et le bleu sont assez célèbres, nous les appelons primaires. En les mélangeant, on obtient les trois couleurs secondaires vert, orange et violet et de là succèdent les tertiaires. Cela dit, ce qui nous intéresse, c’est de comprendre comment notre cerveau associe la couleur à l’humeur. Et tout cela est basé sur notre culture. Le soleil est jaune et est un symbole en occident d’énergie, de lumière et donc de positivité à son tour. Le feu est rouge mais aussi brûlant et nous fait penser à la colère. Le bleu est la couleur de la mer et du ciel, il devrait donc nous donner un sentiment de paix et de sérénité. Ce ne sont pas des sentiments qui doivent nécessairement être universels, mais souvent ils le sont parce qu’ils dépendent en partie précisément de la culture.
Les éléments d’une œuvre d’art | Exemples de couleur
Un artiste réaliste comme Courbet au milieu du XIXe siècle nous montre toujours un ciel bleu et une pelouse verte. Il recherche la vérité de la science et la réalité des faits alors il doit représenter le monde avec les couleurs que nous connaissons tous pour se rapprocher de son but. Et jusqu’ici tout est ok. Si ce n’était pas pour le fait que des artistes comme Van Gogh ou Gauguin ou Munch arrivent. Pour eux, la couleur et son intensité ne doivent pas nécessairement ressembler à la réalité, mais ils doivent envoyer leur propre message.
2. La valeur de la couleur
Pour cette raison, le deuxième élément est étroitement lié au premier et c’est la valeur de la couleur. C’est- dire le niveau de luminosité ou d’obscurité d’une couleur. Les œuvres des impressionnistes par exemple utilisent une très large gamme d’intensités des mêmes couleurs pour donner l’illusion de la lumière. Et pour changer cette intensité, la couleur se mélange au blanc ou au noir. Dans le premier cas on parle de teinte, dans le second cas de nuance.
3. La ligne
L’élément suivant est absolument abstrait mais on le cherche toujours dans la réalité. C’est à propos de la ligne. Scientifiquement , la ligne est l’union de deux points. En général, les lignes d’une œuvre peuvent être horizontales, verticales, diagonales. Ou ils peuvent être courbés, épais ou minces. Chacun est utilisé dans un but précis :
- dessiner la forme d’un objet pour
- suggérer un mouvement
- pour diriger l’œil du spectateur dans une certaine direction
- pour suggérer une émotion.
Certaines de ces lignes seront précises et reconnaissables, tandis que d’autres seront créées à travers des champs de couleur. Dans tous les cas, ils nous aideront à identifier les composants d’une image et ainsi à comprendre sa structure ou sa forme.
4. Structure
Et la structure et la forme sont précisément les quatrième et cinquième éléments. Ils peuvent sembler identiques à première vue, mais ils ne le sont pas.
Commençons par la structure. On retrouve cela dans toute oeuvre d’art en deux dimensions donc dans les peintures à l’huile, les aquarelles, la détrempe mais pas par exemple dans la sculpture. La structure d’une œuvre dans ce contexte est en fait obtenue à partir de l’union de la largeur et de la longueur, mais pas de la profondeur.
La structure d’une œuvre figurative et abstraite est presque toujours basée sur la géométrie des éléments et leur union. Cette structure peut être géométrique grâce à l’utilisation du carré, du losange, du cercle ou du rectangle.formes organiques: une feuille, un nuage et ainsi de suite.
Certaines règles géométriques sont donc appliquées par les grands artistes pour créer leurs œuvres. Je suis sûr que vous connaissez le plus célèbre d’entre eux : le nombre d’or. Utilisé aussi bien en peinture par Léonard par exemple qu’en architecture par les Grecs. La structure, cependant, peut ne pas suivre une formule mathématique exacte et en tout cas être captivante comme dans les œuvres de Van Gogh
5. La forme
Parlons maintenant de la forme, qui est appliquée comme concept à toutes les œuvres tridimensionnelles. Une forme a en fait une largeur, une longueur et une profondeur. Ces trois éléments réunis permettent à l’artiste de créer une œuvre qui nous donne l’idée de l’épaisseur et parfois de l’ombre. Il existe deux formes principales de forme en sculpture: la ronde et le relief. Tout autour ça veut dire que matériellement on peut faire le tour de l’œuvre, on en voit chaque partie, on en fait le tour. Dans le relief en revanche, haut comme bas, la sculpture est tridimensionnelle mais reste accrochée au mur qui fait office de fond.
Évidemment , une installation d’art contemporain est souvent une œuvre en trois dimensions, qui peut être vue en ronde-bosse voire traversée ou vécue. Ce concept a donc évolué dans les années 1900 et continue encore d’évoluer.
Enfin, évidemment l’idée de tridimensionnalité propre à la sculpture peut s’appliquer abstraitement à la peinture lorsque l’illusion de perspective dans une œuvre.
6. L’espace
Le sixième élément d’une œuvre d’art à connaître est pour moi le plus intéressant de tous et celui qui détermine le plus la même œuvre dans l’art contemporain. C’est une question d’espace. L’espace est littéralement le lieu où se déroule le travail. cela semble une définition folle mais ce n’est pas le cas, comprenons-la ensemble. L’espace est une zone bidimensionnelle ou tridimensionnelle dans laquelle se trouvent tous les autres éléments.
Les éléments d’une œuvre d’art. Espace négatif et espace positif
Il existe deux types d’espace : l’espace négatif et l’espace positif. Le négatif est ce qui reste entre les objets. L’espace positif est celui occupé par les objets. Le plus ingénieux dans tout cela, c’est que cela s’applique à une nature morte de Cézanne ou de Morandi, autant qu’à une sculpture de Michel-Ange ou à une installation d’art pauvre.
Enfin, certains artistes créent l’espace ou plutôt l’illusion d’espace à travers diverses techniques. Vous pouvez utiliser des ombres, des chevauchements, des différences de taille, de position sur des plans, de couleur ou de perspective.
L’espace construit ou réel est toujours l’élément toujours présent dans chaque œuvre et comme je l’ai dit plus haut car il nous permet de comprendre la relation entre l’artiste et le monde qui l’entoure. Ce peut être un espace déformé par des lignes comme chez Munch, un espace créé par des coupures comme chez Fontana ou enfin un espace étudié à la perfection comme chez Masaccio. Chaque artiste l’utilise comme il l’entend et pour faire passer un message différent.
7. La texture
Nous sommes arrivés au dernier des éléments de l’œuvre. Vous aurez souvent lu la légende d’une œuvre alors que vous vous trouviez dans une galerie, dans une foire ou dans un musée. Dans tous les cas, 99% du temps, nous trouvons le titre, l’auteur, l’année et les matériaux avec lesquels l’œuvre a été créée. Et la caractéristique de ces matériaux est notre septième élément : la texture.
Les éléments d’une œuvre d’art.réelle et implicite
Par texture, nous entendons la sensation que nous avons de la matière lorsque nous la regardons ou que nous la touchons. Par exemple, une sculpture en marbre a une texture différente d’une œuvre en fourrure. Et dans ce cas il est aisé de comprendre le rapport entre la sensation au toucher et la matière. En fait, on parle de cohérence réelle. un autre exemple est l’utilisation du papier dans les œuvres pour donner un sentiment de fragilité de l’œuvre elle-même.
Ensuite, il y a aussi la cohérence implicite. C’est moins intuitif, mais très simple. C’est l’idée surtout dans les peintures et les œuvres bidimensionnelles d’une texture. Deux exemples à comprendre à la volée : les étoffes et la peau du modèle dans la Grande odalisque d’Ingres ou la fourrure du lièvre de Dürer ou enfin la peau du cob dans la Succession d’Arcimboldo. Ils nous donnent tous le sentiment de cet élément à travers la reproduction de sa texture d’après nature.
Les éléments d’une œuvre d’art. Conclusions
J’espère que cette courte introduction aux 7 éléments d’une œuvre d’art était intéressante !! Ce n’est là qu’une des façons d’aborder une œuvre au contact de l’art et elle doit certainement être associée à la connaissance de l’histoire de l’artiste et du contexte historique. Peut-être qu’à l’avenir je vous raconterai comment j’aborde une visite d’exposition alors que je ne connais pas un artiste ou un mouvement et que je le découvre pour la première fois, quelles questions je me pose et combien j’aime deviner certains messages ou aborder certains thèmes.
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