La nature morte dans l’histoire de l’art ? Il est assez facile d’ignorer les natures mortes lorsqu’on se promène dans les couloirs d’un musée ou d’une galerie d’art. Comparé à une tempête Turner ou à un portrait Bacon ou à une installation d’art contemporain, pour certains d’entre nous, cela n’a aucun sens de s’arrêter devant une série de bouteilles Morandi. En fait, de nombreuses natures mortes semblent soit pas assez réalistes soit au contraire presque trop réelles et un peu ennuyeuses alors il vaut mieux regarder une photo ! Mais il y a beaucoup plus à cela, bien sûr. Je m’appelle Clélia et aujourd’hui on redécouvre l’importance du thème de la nature morte dans l’histoire de l’art. 

La nature morte dans l’histoire de l’art – L’importance

Dissipons tout de suite le mythe et comprenons ensemble pourquoi les natures mortes ont toujours été un thème récurrent et pourquoi elles sont si intéressantes même pour de nombreux artistes contemporains aujourd’hui. Les choses que nous possédons – les vêtements que nous portons, les objets sur nos bureaux ou nos meubles – racontent notre histoire. Ils disent qui nous sommes, ce que nous aimons et parfois même d’où nous venons. Ainsi, les artistes qui créent des natures mortes créent des univers qui sont aussi le portrait d’une entreprise ou d’un individu. Et ils le font en insérant dans leurs compositions des indices sur leur vie et celle de nous tous. 

La nature morte dans l’art – Les sujets

Dans l’histoire de l’art, cependant, ces mondes imaginaires racontés à travers la nature morte ont parfois été créés grâce à des illusions. Je vais t’expliquer! Les sujets les plus courants dans les natures mortes ont toujours été les fleurs et les fruits. De nombreuses œuvres à partir de 500-600 nous montrent, par exemple, le même fruit à différentes phases de sa vie ou nous montrent différentes fleurs de différentes saisons au sein d’une même œuvre.

Fleurs et fruits dans l’art des natures mortes

Cela se produit pour deux types de raisons. D’un côté, il y a des artistes, en effet, qui sont connus pour mettre parfois une année entière à créer une nature morte assez riche de tous les éléments qu’ils voulaient. Et ils les ont aussi pris de différentes saisons, pour créer une véritable collection impossible. D’autre part, on sait qu’en plein 600 ce thème est si répandu qu’en raison de la demande sur le marché des natures mortes, de nombreux artistes accélèrent la production en utilisant des croquis et des dessins du répertoire puis en insérant des éléments de différentes époques de la an. 

Nature morte dans l’art – Art moderne

Mais qu’il s’agisse de natures mortes réalisées au milieu du XVIIe siècle ou d’il y a trois jours, même si parfois elles peuvent sembler ennuyeuses à certains égards, en réalité elles nous en disent long, il suffit de regarder de près . Dans l’art moderne complet, chaque objet d’une nature morte avait sa propre signification spécifique. Les raisins sont un signe de fertilité ou, en tant que source de vin, un symbole du sang du Christ. Les pêches indiquent la fertilité, tandis que les citrons indiquent la fidélité. Selon une tradition chrétienne, les figues et les pommes évoquent l’une la tentation et l’autre la pudeur. Cela dit, cependant, parfois une noix est vraiment une noix, et il n’y a pas d’autre symbolisme que le désir du peintre de montrer son talent pour la représenter.

Le thème de la mort dans la nature morte de l’art

Il existe aussi un type particulier de nature morte, appelée Vanitas, très courante entre 500 et 600 et qui nous renseigne sur l’une des plus grandes peurs de l’homme : la mort. Les sujets de ces natures mortes sont en effet souvent des objets fragiles, comme le verre par exemple. Je vais vous parler d’une œuvre en particulier qui en contient plusieurs : la Vanitas de Maria van Oosterwijck une artiste hollandaise. Son but est justement de raconter la fragilité de la vie alors il y insère un crâne, un sablier, quelques fleurs fanées et un papillon qui symbolise à la fois la brièveté de la vie. Si vous êtes curieux, cependant, il y a aussi d’autres éléments typiques dans la vanité et ce sont une bougie, ou un fruit décomposé même avec des insectes et enfin parfois un instrument de musique à cordes qui nous rappelle à quelle vitesse notre vie passe. 

Natures mortes dans l’art – La Corbeille du Caravage L’

une des natures mortes les plus célèbres de l’histoire de l’art et qui possède des éléments typiques de la Vanité est certainement la Corbeille de fruits du Caravage. Dans cette corbeille de fruits, il rassemble des pommes, des raisins, des figues, un coing et des pêches. Tous les fruits d’été dans un panier en osier. Selon certains historiens de l’art, c’est une image pleine de significations cachées mais le plus intéressant à mon avis est que presque chaque élément du panier a une déformation ou une forme de décomposition. Donc, à première vue, cela semble presque parfait, mais si vous regardez attentivement, vous pouvez voir des feuilles sèches ou des trous sur la pomme. Cependant, le Caravage et certains de ses contemporains sont souvent crédités d’avoir remis ce genre de peinture à la mode. 

La nature morte dans l’histoire de l’art – Les origines

En réalité, les origines de la nature morte sont bien plus anciennes. En un certain sens, en effet, elle fait partie des formes les plus anciennes de la peinture.XVe siècle avant J. Égyptiens audans l’au-delà.

Plus tard, les Grecs et les Romains ont également décoré leurs maisons avec des peintures assez réalistes de fruits et de vin. Par exemple, la Nature morte avec une coupe de fruits en verre et des vases, une peinture murale du 1er siècle retrouvée grâce aux fouilles de Pompéi. 

La nature morte dans l’histoire de l’art – du christianisme au XVIIIe siècle

Avec l’essor du christianisme, les artistes occidentaux s’éloignent de la nature morte. Le rôle de l’artiste en effet à cette époque est de créer des scènes de la Bible. S’il y a un fruit c’est bien la pomme d’Eve ou la grenade comme symbole de la Résurrection du Christ. Entre autres choses, la nature morte au milieu de la Renaissance est considérée comme l’échelon le plus bas dans la hiérarchie des thèmes en peinture. Cependant, quelque chose change avec le protestantisme. 

Les peintres des pays protestants, notamment hollandais, commencent à représenter beaucoup plus de thèmes profanes que sacrés. Et la primauté sur la nature morte leur revient définitivement. Bien qu’il y ait quelques exceptions à mon avis merveilleuses et ce sont les œuvres de Zurbaran en Espagne au milieu du 17ème siècle, le siècle d’or de l’art espagnol. Au lieu de cela, dans les années 1700, les œuvres de l’artiste Chardin en France. 

La nature morte dans l’histoire de l’art – ‘800 à aujourd’hui

En tout cas, pour être honnête, même si elle peut se répandre, la nature morte reste un genre moins intéressant pour de nombreux artistes, certainement tout au long du XIXe siècle. Jusqu’à ce que Cézanne arrive et la révolutionne. En effet, ses œuvres jouent sur la perspective et la vision de différents points de vue. Ce qui plaira alors beaucoup à Braque et Picasso. Et parfois Cézanne insère aussi des éléments de la Vanité comme le crâne. 

Van Gogh et la nature morte

Un autre grand artiste grâce à qui ce thème est révolutionné est Van Gogh, si je vous dis nature morte vous penserez évidemment tout de suite à son vase de tournesols, composé de fleurs à différentes phases de leur vie. Au contraire, la révolution s’opère ailleurs, dans deux œuvres dont je vous ai déjà parlé sur la chaîne dans une vidéo dédiée. Les chaises de Van Gogh et de Gauguin. Dans les deux cas, en effet, Van Gogh nous raconte à travers des objets non seulement les caractéristiques personnelles des deux peintres, mais aussi leur façon de voir la vie et l’art. 

La nature morte dans l’art contemporain

Et justement à cause de cette capacité à nous parler de la vie et de notre société, la nature morte est aujourd’hui un thème assez courant dans l’art super contemporain. Quelques exemples sont les œuvres colorées d’Anna Valdez riches de tous les éléments que nous pourrions trouver dans nos maisons : livres, pots de fleurs, tapis.

Ou les pseudo photomontages de Daniel Gordon, qui reconstitue chez lui des compositions trouvées en ligne, les photographie et les recrée numériquement en superposant numérique et photographie et en créant un mélange des deux. Puis revenant sur le thème de la vanité et presque du macabre il y a les oeuvres d’Arden Surdam. Ou de fantastiques reconstitutions en céramique d’aliments et de bouteilles asiatiques par l’artiste Stephanie H. Shih.

Ou sous forme de sculpture en tissu les œuvres de l’artiste brésilienne Maria Nepomuceno, qui semble représenter des formes de la nature mais recrée en réalité des formes de son propre corps. Et enfin au contraire, très délicates mais fortes en terme de thématique car elles reprennent le concept de fragilité humaine sont les oeuvres de l’artiste anglais Isaac Julien. 

La nature morte dans l’histoire de l’art – Conclusions

Ce sont autant d’exemples de la façon dont dans l’histoire et encore aujourd’hui la peinture de natures mortes nous incite à examiner en profondeur nos peurs, nos fragilités et les objets qui nous entourent et font partie de notre quotidien. . Et à mon avis, ce sont des thèmes beaucoup moins ennuyeux quand on parcourt les musées et les galeries de tant d’autres genres de l’histoire de l’art. 

Et si vous avez aimé ce post, jetez un œil à ma chaîne YouTube pour ne pas rater les prochaines vidéos liées à l’art, aux voyages et au marché. Aussi je vous conseille de jeter un oeil à mon post sur la chaise de Van Gogh et celui sur les 9 raisons d’étudier l’histoire de l’art. 

Merci et à la prochaine !