20 obras de arte de 2000-2019, quais serão? 2020 está chegando e que outra forma de comemorar o fim desse período de vinte anos senão descobrindo juntos quais foram as 20 obras de arte que marcaram a história entre 2000 e 2019? Estou feliz por ter visto alguns deles com meus próprios olhos. Os últimos anos destes vinte anos foram para mim os de leituras de arte desenfreadas, das primeiras feiras internacionais em Basileia, Madrid e Londres e de exposições por toda a Europa.

Cada uma destas obras revelou-se importante para a mensagem que o artista queria lançar, para o momento histórico em que foi criada ou por vezes pela quantia estratosférica pela qual foi vendida. Você nunca conseguiria fazer um ranking e com certeza deixarei de lado outros igualmente interessantes, mas vamos começar!

Martin Creed, Trabalho nº. 227, As luzes acesas em 2000 Você

pisca. Um crime é cometido na Inglaterra. Uma criança está morrendo de fome. A frequência de cada uma dessas ações é a cada cinco segundos. E cinco segundos, aparentemente, é a unidade de tempo em que nossas vidas podem ser mudadas. E nenhum artista explicou o significado da importância desse intervalo de cinco segundos de maneira mais elegante e controversa do que o artista inglês Martin Creed. Em sua instalação as luzes que acendem e apagam foram criadas em 2000, quando pela primeira vez foi exposta muita polêmica sobre o próprio conceito de arte. O trabalho consiste em um simples temporizador programado para acender e apagar alternadamente as luzes a cada cinco segundos em uma galeria vazia.

Aqueles que apreciaram a obra compararam sua importância conceitual com os experimentos de vanguarda do compositor americano John Cage com o silêncio e o som dos anos 1950. Aqueles que tiveram uma atitude controversa o consideraram um projeto do-it-yourself. Seja na arte ou na filosofia, em todo caso, é inegável que hoje mais do que nunca precisamos refletir sobre nossas ações e nosso conceito de tempo, porque cinco segundos podem passar rápido, mas também podem perturbar nossas vidas. 

Olafur Eliasson, The Weather Project 2003

O sucesso deste trabalho incrível de Eliasson, que atraiu mais de dois milhões de visitantes ao Turbine Hall da Tate Modern entre outubro de 2003 e março de 2004, nos diz muito sobre as ansiedades e preocupações de nossa época. 

A obra consiste em um enorme sol suspenso sobrenaturalmente no espaço em forma de cânion do salão. Através de uma maquiagem de espelhos e névoa açucarada, Eliasson criou um pôr do sol vermelho ardente que dá a sensação de consumir tudo ao seu redor. E as referências a obras como Light and Color, de William Turner, são evidentes. 

Os visitantes tornam-se silhuetas contra a luz deslumbrante e é essa sensação de desaparecimento que fez do The Weather Project uma experiência transformadora e assustadora. Hoje, com razão, somos incomodados pelas várias opiniões no debate sobre as consequências das mudanças climáticas, e o preocupante trabalho de Eliasson nos lembra que, hoje em dia, quando falamos sobre o clima, estamos falando também sobre nossas vidas. E Tate está de volta para contar sobre Eliasson em sua última exposição, sobre a qual falei há algumas semanas. E do qual tenho o prazer de falar agora neste post sobre os 20 trabalhos de 2000-2019.

Giuseppe Penone, 2003 Cedar of Versailles

Apresentado por Gagosian na edição 2019 da Art Unlimited em Basel, o trabalho me impressionou muito. A obra consiste em uma árvore monumental escavada em seu núcleo para ser trazida de volta ao seu estágio inicial. Da casca externa, portanto, o artista desenterrou até a parte mais interna do coração da árvore.

O título Cedro de Versalhes conta a história da obra. Para fazê-lo, de fato, foi usado um antigo cedro de 194 anos que desabou devido a uma tempestade no parque de Versalhes no final dos anos 90. E a ação da natureza e do homem juntos são os temas característicos desta série de obras de Penone e de toda a sua poética em geral.

Nós humanos vivemos dentro de um mundo que devemos conhecer e respeitar e cada ação nossa afeta de alguma forma o desenvolvimento da natureza, tanto quanto uma força externa. 

Cindy Sherman, 2003-2004 Clowns

A fotógrafa e diretora americana Cindy Sherman é mundialmente famosa por se esconder atrás do flash de sua câmera por anos, encenando séries e mais séries de autorretratos nos quais ela muda seu rosto para assumir a aparência de outra pessoa. Tendo adotado o disfarce como ferramenta primária de identidade por tanto tempo, o engano de Sherman certamente começou a se tornar realidade.

Disfarçar não é mais uma negação de si mesmo, mas tornou-se como o identificamos, para que o conhecemos. Daí o poder enervante de sua série Clowns de 2003-4. Cindy Sherman assume a identidade de estranhos maquiados que se escondem sob quilos de maquiagem de palhaço.

Na cultura ocidental, de fato, os palhaços são considerados seres profundamente ambíguos. Suas expressões fixas muitas vezes não escondem alegria, mas algo mais trágico ou sinistro. Quase provocando medo com suas expressões ambíguas, Cindy Sherman reflete sobre os temas da identidade e da ilusão da máscara no teatro, no cinema e na arte.

Anish Kapoor, The Cloud Gate 2004

Cloud Gate é uma colossal escultura pública que o artista britânico Anish Kapoor, nascido na Índia, revelou em 2006. A obra é composta por 168 placas de aço inoxidável e pesa 110 toneladas. Sua superfície lisa e refletiva reflete imagens distorcidas de tudo ao seu redor no Millennium Park de Chicago. Este efeito distorcido é visualmente amplificado dentro da escultura que Kapoor chamou de omphalos da obra do grego “umbigo”. Aqui, as partes côncavas da obra deformam e multiplicam os reflexos para desorientar o espectador.

A mensagem de Kapoor é direta: vivemos em um mundo tão deslumbrante quanto distorcido. A verdade e a percepção manipulada da verdade se misturam. Em Cloud Gate o trabalho parece ser um fluido colocado ali por um mágico para um passe de mágica, mas na realidade as chapas de aço demoram anos e anos para ficarem tão brilhantes. Isso também é uma distorção da realidade. Uma ilusão, como a do nosso reflexo na obra. 

Jeff Koons, 2004 Tulips

Esta série de trabalhos chamada Celebrações de um dos artistas mais comentados do mundo da arte contemporânea começou já na década de 1990. Mas certamente se tornou conhecido graças aos espécimes das últimas décadas, que foram protagonistas de algumas passagens de leilões incríveis e foram instalados nos museus mais importantes do mundo, como o Guggenheim em Bilbao. Um museu que visitei há alguns anos e sobre o qual contei não apenas neste post sobre as 20 obras de 2000-2019, mas também no Instagram nos stories.

A obra Tulipas de 2004 consiste em um buquê gigante de 7 flores de tulipas estilizadas em cores super vivas. Cada um deles tem 5 metros de largura e foi criado com um metal refletivo. A sensação que se tem é a de objetos leves e sem peso, já frívolos em sua apresentação ao público. O arco-íris de cores, no entanto, torna-os agradáveis ​​e sobretudo realça as suas características reais. Na verdade, as tulipas são flores que competimos para ter mil cores diferentes, são flores que entraram em nossas casas pelo menos uma vez para comemorar aniversários, aniversários ou outros feriados. Daí o título da série Celebrações. Então a de Koons é ampliar e colocar diante de nossos olhos sob outra roupagem os objetos que caracterizam nosso cotidiano, em pleno estilo pop. 

Damien Hirst, 2007 Pelo amor de Deus

A arte pode vencer a morte? Quando o crânio incrustado de diamantes de 1.106 quilates de Damien Hirst foi exibido pela primeira vez em Londres em 2007, um grupo de críticos respondeu com um belo Sim. Mas a questão permanece em aberto, mesmo que o trabalho de Damien Hirst queira provar o contrário. 

É uma fundição de platina, esculpida a partir do crânio recuperado de um europeu de 35 anos do século 18 e comprado em uma loja em Londres. Nesta base, 8.601 diamantes em pavé foram engastados pelos joalheiros Bentley & Skinner de Mayfair. Como se isso não bastasse, montado na testa está um grande diamante, uma espécie de terceiro olho, que quer empurrar o significado potencial da obra na direção do sobrenatural.

Não podemos saber se a obra de Hirst pode sobreviver ou não à morte, mas certamente, como em muitas outras ocasiões, a própria reflexão sobre a morte se torna protagonista de suas obras. E a ironia dos títulos nos leva a refletir sobre temas que definiram não apenas os últimos vinte anos, mas na realidade toda a história da arte desde seus primórdios até hoje. Mais uma razão para não poder excluí-lo da lista das 20 obras de 2000-2019.

Yayoi Kusama, Dots obsession of 2008

O interior da instalação com iluminação suave, as paredes espelhadas e os pontos pretos são os elementos característicos das obras do artista japonês Kusama. Obras que refletem sua dimensão interior e suas visões. Essas obras não podem ser inseridas em nenhum movimento específico, elas fizeram a história da pop art e do minimalismo ao mesmo tempo e têm ideias da cultura e tradição japonesa e americana juntas. 

A ideia é que ao entrar na instalação, o espectador seja imediatamente atingido por um ambiente que se torna quase um casulo que é realçado pela luz amarela e pelas formas flutuantes. Os efeitos podem ser enervantes ou relaxantes porque os sentidos são bombardeados. O chão e o teto são cobertos de pontos pretos, enquanto as paredes espelhadas multiplicam o espaço, que se torna infinito. Esses elementos forçam o espectador a vivenciar sentimentos conflitantes: há quem se sinta aprisionado, outros livres para imaginar. No entanto, Kusama permanece ciente das respostas dos espectadores e o trabalho pretende ser terapêutico e avassalador. Uma reflexão sobre a nossa psique e uma representação dos nossos sonhos. Uma reflexão que não poderia ter permitido que Kusama e suas obras entrassem por direito entre as 20 obras de 2000-2019.

Franz West, O Ego e o Ego de 2008

Esta série de trabalhos de Franz West em que somos estimulados a interagir com o trabalho em parques ou nas ruas das cidades tornou-se a assinatura do artista austríaco. Sentado em banquinhos ou nos deixando brincar com os elementos da obra, Franz West insiste que a obra de arte não está completa até que os espectadores interajam com ela. Seu objetivo sempre foi criar arte que inspire ambientes brilhantes, nos quais fazemos parte do trabalho.

No caso do ego e de mim, a ideia surgiu de um artigo escrito por Sigmund Freud em 1923 sobre a batalha do ego com três forças: o ego, o superego e o mundo externo. E West a partir das reflexões de Freud criou esta obra para fazer uma pergunta direta: o que é escultura para o homem? A resposta está na interação consigo mesmo ao viver o trabalho e na partilha com os outros. Neste caso, no centro do Central Park, em Nova York, longe de um museu e em um espaço de lazer ao ar livre.

Pipilotti Rist, Massachussets Chandelier 2010

Calcinhas coloridas pendem do teto, todas brilhantes em uma galeria escura. Como se estivessem pendurados depois de lavados para secar ao sol. Uma luz quente é emanada de dentro da obra, enquanto uma luz de vídeo externa é projetada na obra.

Quando vi pela primeira vez este lustre suspenso em exposição em Milão, fiquei sem palavras. E para isso resolvi inseri-lo neste post sobre os 20 trabalhos de 2000-2019. A obra é composta por calcinhas coletadas pelo artista, seus amigos e familiares e expostas naturalmente. Intencionalmente exuberante e divertido, a obra foi criada para estimular o espectador a refletir sobre questões relacionadas a gênero, sexualidade e corpo humano.

O artista suíço Pipilotti Rist criou a instalação para transmitir uma sensação de felicidade e serenidade. E mesmo que o trabalho seja deliberadamente simples e direto, não é infantil. Aliás, sob a aparente leveza da obra Pipilotti Rist aborda questões feministas e tabus relacionados à parte mais importante e secreta do nosso corpo. 

Marina Abramovic, The Artist is Present of 2010

Durante dois meses e meio, de meados de março ao final de maio de 2010, Marina Abramović esteve sentada no Museu de Arte Moderna de Nova York, enquanto os participantes da performance foram convidados por sua vez para olhá-la nos olhos pelo tempo que desejassem ou pudessem suportar. Por mais de 700 horas, o artista encarou centenas de estranhos encontrando seus olhares sentados juntos em uma mesa. Os retratos dos visitantes contam a gama de expressões provocadas pelo rosto rígido de Abramović: diversão, medo, tédio ou até desespero. 

Uma janela sobre a alma que visa aproximar as pessoas. Na verdade, não havia como fugir da realidade e encarar os olhos de outro ser humano, vulnerável e a poucos centímetros de distância. 

E este trabalho mais uma vez reafirmou o status de Abramović entre os artistas performáticos mais significativos do nosso tempo. De fato, durante quarenta anos, Marina Abramović nos desafiou a olhar nos olhos da realidade que nos cerca e dos problemas de nossa sociedade. É por isso que ele não poderia perder este post sobre os 20 trabalhos de 2000-2019.

Ai Wei Wei, 2010 Sementes de Girassol

Onde termina a identidade do indivíduo e começa a do grupo?  Ai Weiwei nos faz essa pergunta na forma de cem milhões de sementes de girassol de porcelana feitas individualmente por 1.600 artesãos chineses. Cada uma delas esculpidas à mão e pintadas de forma convincente, com listras cinza e brancas. O trabalho que foi exposto na Tate em Londres parte de uma crítica direta às violações de direitos humanos do governo chinês e provocou um debate político inesquecível.

Entre outras coisas, não é a primeira vez que o artista critica e provoca o governo de seu país de origem. Mas desta vez o desafia de uma forma ainda mais sutil e elegante. Essa montanha de pequenas sementes atraiu de fato milhares de pessoas que participaram individualmente, cada uma à sua maneira, na partilha coletiva da obra de arte. 

Christian Boltanksy, People of 2010

O que sobrevive de nós quando a morte chega? A tentativa de responder a essa pergunta, sem dúvida, motiva muitas obras de arte. Vários dos que foram incluídos por mim nesta lista das 20 obras de 2000-2019. Mas, em particular, motivou este trabalho de Boltansky, exibido pela primeira vez no Grand Palais, em Paris, em 2010. Passamos a vida acumulando e usando objetos, roupas, fotografias e muito mais e esse trabalho nos fala disso. A obra consiste em metros quadrados de lotes salpicados de roupas como campos de tecidos.

Há jeans, camisas, camisetas, vestidos, tudo. E a quem pertenciam? A resposta parece estar no título da obra. A todos e a ninguém, às pessoas que, além de deixarem a sua memória, também deixam com eles tudo o que lhes pertencia. E o trabalho não para por aí. Muitas vezes, de fato, uma enorme máquina suspensa sobre uma montanha de roupas desce subitamente para levantar e relançar nossos objetos, como um jogo sem fim. 

Maurizio Càttelan, LOVE 2010

A estátua de mármore de uma mão de onze metros de altura que parece levantar o dedo médio causou sensação quando foi inaugurada em 2010 na Piazza Affari em Milão, bem em frente ao Palazzo della Borsa. O mundo das finanças se sentiu ofendido com o que foi percebido como um gesto de desafio. Mais uma razão para adicioná-lo à minha lista de 20 trabalhos de 2000-2019.

Mas um olhar mais atento sobre a obra e alguns depoimentos do próprio Càttelan revelaram um significado diferente para esta obra. Na verdade, parece ser uma saudação fascista cortada e erodida pelo tempo, localizada bem no centro da praça e em frente a um dos prédios da década de 1920 que fizeram a história da arquitetura fascista.

Uma mão cuja interpretação é deixada ao nosso imaginário, mas que distorce o conceito de escultura clássica, transformando a estátua do imperador a cavalo num novo símbolo da nossa sociedade.

Christian Marclay, The Clock of 2010

A obra cinematográfica do artista suíço-americano Christian Marclay tenta engenhosamente fazer a ponte entre o tempo da arte e o tempo da realidade. De fato, as obras de arte encontradas nos museus muitas vezes parecem estranhas à passagem do tempo. algumas delas nos falam de experiências que podem ser consideradas universais e continuam a nos fazer mover ou refletir apesar de terem sido feitas décadas antes.

A obra de Marclay tenta metaforicamente transcender essa divisão. O trabalho inclui milhares de imagens com um relógio, cuidadosamente montadas para que as imagens mantenham o ritmo perfeito com o tempo real.

Costumamos falar sobre a arte imitando a vida e vice-versa, mas a imitação pressupõe que uma ou outra deve ter acontecido primeiro. Enquanto a grande arte suspende o tempo. O Relógio é uma colagem do cinema ocidental mas na realidade faz-nos reflectir sobre o tempo que nos rodeia e sobre a própria importância da arte para a nossa sociedade. 

Kerry James Marshall, 2015 Lovers

Se existe um artista que, junto com Kara Walker, contou as experiências e histórias de populações afro-americanas nos últimos vinte anos, é Kerry James Marshall. Ele mesmo definiu muitas de suas obras como frutos de uma responsabilidade social. E este tipo de temas não pode faltar na lista de 20 trabalhos de 2000-2019.

E seu meio favorito para contar essas histórias é a pintura. Inspira-se em cenas da vida cotidiana e objetos típicos de sua cultura, como na obra apresentada na Bienal de Veneza 2015 intitulada “Amanti”. Aqui, dois caras que parecem ter sido pegos se abraçando se viram sorrindo para o espectador.

Uma história aparentemente simples, mas denunciadora. O tema principal de obras como esta é, na verdade, a presença de afro-americanos dentro das obras de arte figurativas. Na história foram muitas vezes os primeiros a serem excluídos das representações e graças a artistas como Marshall, que hoje contam seu cotidiano, os encontramos protagonistas da arte contemporânea.

Christo, Os cais flutuantes de 2016

Ser capaz de definir a própria época e ao mesmo tempo permanecer reconhecível em cada obra não é fácil para nenhum artista. No entanto, parece não ser tão complexo para Christo que faz da embalagem de pequenos objetos ou monumentos inteiros sua assinatura desde a década de 1960. Para cada década seria possível encontrar uma de suas obras significativas: The Gates em 2005 em Nova York ou Mastaba em 2018 em Londres, mas sua passagem pela Itália no Lago Iseo foi na minha opinião igualmente significativa.

A obra consiste em um labirinto de passarelas de tecido, uma espécie de ponte flutuante que durante exatos 15 dias uniu o continente às ilhas de San Paolo e Monte Isola. Neste caso o visitante passa a fazer parte da obra e a transformação da natureza e do território já não consiste apenas em esconder para dar importância.

Banksy, Love está no lixo de 2018

Nem sempre é fácil definir as obras que estão mudando nossos tempos se estamos vivendo esses tempos em primeira mão, mas não há muitas dúvidas sobre algumas delas. E em particular entre as 20 obras de 2000-2019, esta tem um lugar especial.

Love is in the bin de Banksy deu origem a um dos debates mais interessantes da arte nos últimos anos. E não me refiro à veracidade da obra em si, mas à importância da ação e da crítica sobre a qual essa própria ação nos faz refletir. 

A obra nasceu sob o olhar de centenas de pessoas durante o leilão da obra original Baloon Girl na Sothebys em outubro de 2018. Alguns segundos após a premiação, parte da tela passou por um triturador de papel escondido na moldura e no processo de “destruição” de uma obra de arte, uma nova foi criada. Todas as obras de Banksy são fruto de ações críticas da sociedade e do mercado de arte contemporânea, mas acima de tudo são reflexões sobre nossas ações diárias e nossos hábitos. E ainda este ano mais uma surpresa veio com o Produto Interno Bruto, uma vitrine temporária que tive a oportunidade de visitar e que falei no canal. 

Amy Sherald, primeira-dama Michelle Obama de 2018

Entre as obras que fizeram a história dos vinte anos, a pintura e em uma de suas formas mais clássicas não pode faltar o retrato. Neste caso, porém, o trabalho da artista americana Amy Sherald demonstra como um ícone contemporâneo pode ser representado em pleno estilo clássico. E o retrato ganha assim o seu lugar nesta lista de 20 obras de 2000-2019.

A protagonista da obra é Michelle Obama, não só esposa do ex-presidente dos Estados Unidos da América Barack Obama, mas também defensora dos direitos das mulheres, da comunidade LGBT e defensora de uma vida saudável e sustentável. O retrato é clássico e contemporâneo ao mesmo tempo por vários motivos. A única protagonista é Michelle no centro da tela, imersa em azul, cor que simboliza fidelidade e confiança. Ao mesmo tempo, a cor do manto da Madonna em representações clássicas.

O olhar é imediatamente capturado pelo vestido que termina para além da obra como se continuasse e que ao mesmo tempo preenche grande parte da cena. Esse elemento também retoma os retratos clássicos da antiguidade, mas transforma a obra em um ícone do nosso período. 

Kara Walker, Fons Americanus de 2019

Uma escultura pública em grande escala no Tate Turbine Hall de Londres, que questiona como nos lembramos da história através de monumentos públicos. Mas ao mesmo tempo fala de um evento histórico que durou décadas e que mudou a vida de milhares de pessoas ao redor do mundo: a diáspora africana.

Fons Americanus é uma enorme fonte interna inspirada no Monumento da Rainha Vitória em frente ao Palácio de Buckingham. Neste caso, porém, não é uma rainha que é exaltada ou lembrada, mas uma população inteira e suas tragédias. A água é a questão chave e refere-se ao tráfico transatlântico de escravos e ao destino de muitas pessoas em três continentes.  

E há muitas outras referências à história, arte e cultura ocidentais. Por exemplo, o nascimento de Vênus da concha que se transforma em um menino que chora e enche a concha de lágrimas, enquanto a Deusa está longe no topo da fonte. Um trabalho que nos faz refletir sobre nossa história e sobre a importância de nossas escolhas políticas e civis. 

Há trabalhos criados por artistas de todo o mundo porque acredito fortemente que a arte hoje mais do que nunca é global quando conta uma experiência pessoal mas ao mesmo tempo coletiva. 

Obrigado e até a próxima!