A composição de Kandinsky VII. Kandinsky tem o insight mais importante de sua carreira nos anos anteriores à Primeira Guerra Mundial. Ele trabalha em Munique, na Alemanha, e desenvolve uma nova linguagem de pintura, que o ajuda a criar pinturas abstratas originais em diferentes séries. E o mais famoso deles será intitulado Composições. Eu sou Clélia e hoje descobrimos a Composição VII de Wassily Kandinsky de 1913. 

As Composições de Kandisnky

Kandinsky considera estas Composições como resultado de sua filosofia artística. Ele faz apenas 10 em toda a sua vida, e cada um é resultado de um planejamento cuidadoso. composição VII, da qual falamos hoje, é amplamente reconhecida como a mais bela e complexa de todas.

Obviamente, as composições são muito controversas desde o início. Os espectadores se veem diante de grandes pinturas abstratas e ficam completamente perplexos. Para os primeiros observadores, as pinturas parecem caóticas, sem tema, estrutura ou forma reconhecíveis. E o melhor é que Kandinsky não está totalmente descontente com essa opinião. Tanto que escreveu naquele período: “Cada obra se origina da mesma forma que o cosmos, por meio de catástrofes que, do caos caótico dos instrumentos, acabam por gerar uma nova sinfonia”.

Kandinsky explica a filosofia por trás de sua nova abordagem em um tratado intitulado O espiritual na arte de 1911. Ele não acredita que o público esteja pronto para uma arte totalmente abstrata e não quer que suas pinturas abstratas sejam meramente decorativas. Em vez disso, ela acredita que pode transmitir seus sentimentos mais puros e espirituais. Inicialmente, ele se inspira em temas religiosos como o Jardim do Éden, o Dilúvio, mas acima de tudo o Apocalipse. Ele descreve o artista como um profeta e antecipa a destruição e as loucuras da Primeira Guerra Mundial nos temas de suas obras, mas gradualmente muda de rumo. Ao invés de temas religiosos nas últimas Composições ele cria apenas através da forma, cor e linha, como por exemplo na Composição VII.

Composição VII de Kandinsky | Análise

Kandinsky e a cor

Neste trabalho, a cor é um elemento fundamental. Kandinsky sempre considerou a cor o elemento mais importante em suas pinturas e foi influenciado pelos escritos do filósofo Rudolf Steiner. Steiner argumenta que toda cor, toda percepção de luz representa um tom espiritual. Então Kandinsky vai um passo além e inventa seu próprio código de cores, atribuindo valores espirituais a cada tonalidade diferente. 

Ao descrever o tom de uma cor, ele usa uma analogia musical e a compara com o timbre. Com isso Kandinsky consegue variar o sentimento e a emoção que suas pinturas nos transmitem. Seu truque favorito é introduzir transições de cores simples, quase monocromáticas, para contrabalançar áreas de caos na tela. Nessa obra, por exemplo, o canto direito tão cheio de uma única cor parece quase silencioso e contrabalança o efeito de vórtice que domina o centro da tela. 

A Composição VII de Kandinsky e suas linhas

Ele também usa linhas para dar energia às suas pinturas. Por exemplo, linhas paralelas horizontais tornam a imagem mais estável, principalmente nas laterais da obra. Enquanto a linha diagonal vermelha sugere que existe uma estrutura por baixo. Quase como se estivesse traçando parte do contorno de um losango. Aqui é fraco, mas mais perceptível no canto grosso e em ângulo reto ao pé da tela. A interação entre linha, cor e forma torna-se ainda mais efetiva em Black Lines I, obra também criada em 1913.

Kandinsky não mede esforços para esconder qualquer elemento reconhecível que às vezes é chamado de “figurativo” em suas obras abstratas. Mas alguns elementos ainda podem ser vistos. Por exemplo, um detalhe neste trabalho pode ser interpretado como uma escada ou uma flor. A maioria dos elementos, no entanto, só pode ser identificada por referência aos seus estudos preparatórios. 

O tema do barco

Um dos assuntos favoritos de Kandinsky são os barcos. E o barco em suas obras pode ser reduzido a uma simples forma curva e a uma fileira de linhas, que representam os remos. Antes de se tornar um pintor completamente abstrato, ele também pintou esta imagem em várias versões reconhecíveis, como em Voyage by boat de 1910. Mas o barco se torna um tema recorrente nas Composições porque é relevante para o tema maior do qual ele às vezes narra: O tema do Grande Dilúvio na Bíblia. 

O Olho do Ciclope

Em seus estudos preparatórios, Kandinsky experimenta um vasto número de componentes, enquanto busca a fórmula certa para sua obra. A maioria dos esboços inclui alguma variação de apenas uma imagem específica. Os críticos a compararam a um olho gigante de um ciclope. Uma metáfora do contato entre o artista e os espectadores. E, de fato, esse elemento atrai atenção especial porque permanece estável enquanto outros circulam freneticamente em torno dele. 

Composição VII de Kandinsky | Técnica

Do técnico as obras variam de acordo com o tipo de imagem que pretendem representar. Ele chama algumas de suas obras Impressions ou Improvisations e estas não são estudadas nem planejadas. Mas algo muda com as composições. Cada uma dessas obras é elaborada e estudada e Composição VII é talvez a mais elaborada de todas. Para uma tela como esta, Kandinsky faz mais de 30 estudos preparatórios e, uma vez concluído, leva cerca de 3 dias para concluir o trabalho. Num Estudo para a composição VII, por exemplo, ele insere um elemento que não encontramos na obra acabada: no canto direito, um anjo de rosto azul toca uma trombeta. Mas na versão final temos apenas uma forma de trombeta azul e o anjo desapareceu.  

Kandinsky e a música

O que Kandinsky realmente quer recriar na arte por meio dessas obras são as características da música. Seu compositor favorito é Arnold Schoenberg, o pioneiro da música atonal. Kandinsky admira sua abordagem e não tem problema em combinar até mesmo na tela passagens que poderiam ser consideradas dissonantes. Na verdade, ele os chama de colisões trovejantes. Um verdadeiro confronto entre pontos de tom de cor.

Wassily Kandinsky | Sua história

Mas para entender como Kandinsky chegou à arte abstrata, precisamos lançar alguma luz sobre ele. De fato, Kandinsky nasceu em Moscou, filho de um rico comerciante de chá siberiano. Primeiro formou-se advogado e depois, aos 30 anos, decidiu ser pintor. E isso não acontece por acaso. Na verdade, tudo mudou quando em 1896 ele descobriu por acaso os Feixes de Monet e ficou muito fascinado por eles. Assim, mudou-se para Munique para estudar na Academia de Belas Artes com Franz von Stuck. E em sua classe naquele ano estava outro grande pintor abstracionista, Paul Klee. 

Primeiro ele viaja pela Europa, quer saber mais e depois se apaixona por Gabriele Munter e se estabelece na Alemanha. Ele começou a frequentar círculos de arte progressista e seu estilo mudou rapidamente, pois foi influenciado pela arte popular russa, o fauve e o expressionismo. ele é livre para criar seus trabalhos sem ter que se preocupar muito em vendê-los e pode dar asas à experimentação. No entanto, suas obras são tão chocantes que chocam seus contemporâneos.

Sinestesia para Kandisnky

Ele consegue combinar sua paixão pela cor e pela música, tornando-as a base de seu estilo abstrato. Ele acredita que a arte é baseada no fenômeno perceptivo da sinestesia – pelo qual a estimulação de um sentido leva à estimulação de outro.

No período anterior à eclosão da Primeira Guerra Mundial, ele fez um rápido progresso em direção à pintura abstrata. Apenas dois anos antes da criação da Composição VII, os temas de suas pinturas ainda são bastante explícitos e realistas. Por exemplo, em Impression III (Concerto) de 1911 ele representa o concerto de Ano Novo passado na casa de seu amigo Schoenberg. E além da plateia, é possível identificar dois grandes pilares brancos e a enorme tampa preta de um piano de cauda. 

Kandisnky e a arte abstrata

Então, como ele chega à arte abstrata? E o que significa abstrato? Se refletirmos com atenção entre todas as novas formas e movimentos artísticos que surgem nos anos 1900, a arte abstrata é sem dúvida a que mais perdurou ao longo do tempo. Qualquer obra de arte que não represente um elemento reconhecível pode ser descrita como abstrata. Nos anos anteriores à eclosão da Primeira Guerra Mundial, o nascimento da arte abstrata é um fenômeno que pode ser considerado internacional. Na verdade, surge mais ou menos nos mesmos anos em vários países. De todas as maneiras diferentes. Os artistas da época descobrem a possibilidade de usar cores e formas, mas não necessariamente para representar a realidade. 

arte abstrata | Definição e evolução nos anos 1900

Não é fácil dar uma definição precisa de arte abstrata. Para ser honesto, os próprios artistas preferiram a arte não figurativa a essa expressão. Resumo, de fato, significa literalmente “extraído” e indica uma capacidade de apreensão de alguns elementos, resumindo a imagem em suas características essenciais. Mas a arte abstrata do início dos anos 1900 é apenas um momento de transição, de um longo processo. Um processo que começa com o romantismo e continua com a invenção da fotografia e nega cada vez mais à arte a tarefa de descrever exatamente o que nos rodeia.

No início do século XX, muitos exemplos de arte abstrata podem ser feitos: alguns trabalhos de Sonia Delaunay de 1913 em que figuras humanas são transformadas em formas geométricas. Ou algumas obras de Duchamp como O Nu Descendo uma Escada de 1912. Quadrado Negro de 1915 ou as obras de Mondrian. Todos se enquadram neste princípio de abstração. Porém, nas tentativas de máxima abstração não há interesse por parte do artista em representar ou fazer reconhecer qualquer um dos elementos da natureza ou da realidade. As obras valorizam a forma, a cor, a linha. E entre os grandes artistas abstratos do início dos anos 1900, Kandinsky teve muito sucesso nisso.

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Famoso hoje como um dos criadores do movimento da arte abstrata, Kandinsky também é universalmente reconhecido como um dos maiores pioneiros da arte moderna. Mas nem sempre foi assim. De fato, Kandinsky criou dez obras da série Composições, mas nem todas chegaram até nós. Conhecemos os três primeiros apenas graças a fotografias em preto e branco. Embora existam estudos e esboços (particularmente da Composição II), um ataque nazista à Bauhaus na década de 1930 resultou no confisco das três primeiras Composições de Kandinsky. As obras foram exibidas na exposição patrocinada pelo Estado alemão sobre “Arte Degenerada” e depois destruídas, juntamente com obras de Klee, Marc e outros artistas modernos. Fazendo-nos perder a oportunidade de ver hoje essas grandes obras-primas. 

Composição VII de Kandinsky | Cadê?

Outra pequena curiosidade sobre a obra prende-se com a sua localização atual. Na verdade, está localizado em uma das mais famosas galerias de arte moderna de Moscou, que contém muitas obras-primas da coleção de George Costakis, um colecionador russo de origem grega que por puro acaso em plena Segunda Guerra Mundial encontrou várias obras em um estúdio de construtivismo russo em Moscou e os adquiriu. E graças a esta descoberta dele, hoje o Quadrado Negro de Malevic e a Composição VII de Kandinsky, as duas obras mais importantes da arte russa do século XX encontram-se juntas sob o mesmo teto. 

E se você gostou deste post em que descobrimos um pouco mais sobre arte abstrata e Kandinsky, sugiro que dê uma olhada no meu canal Youtube para não perder os próximos vídeos sobre as obras de arte mais interessantes da história. Eu também aconselho você a ler meus posts sobre Uma tarde de domingo na ilha de La Grande Jatte em Seurat ou na últimos 20 anos.